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"You is kind. You is smart. You is important"

2012-02-13T21:14:00.006-04:30

De "Historias Cruzadas" (The Help, Tate Taylor 2011) me llevo, entre sus diversos temas, uno: el del afecto profundo que nace en la infancia y persiste en el tiempo por quien te regala su afecto, te enseña, te quiere. Por quien te cría.

Mucho se debe haber escrito y se escribirá sobre esta importante película. Una obra que tiene un tema de fondo, el racismo y el odio hacia las personas de raza negra. Ubicada en Jackson, Missisippi, durante los años 60.

No todas las caracterizaciones lograron la misma profundidad. Interesante la mezcla que se hace con comedia, aunque algunos personajes se caricaturizan un poco. Afortunadamente, el relativamente amplio conjunto de personajes permite captar matices en las relaciones de blancos y negros, en un contexto y una época determinadas.

El papel principal, el de la criada que narra la historia (Aibileen) nos llega con una interpretación impecable de la actriz Viola Davis. Especialmente a través de su inteligente y bien administrado lenguaje corporal (hay momentos que sus hombros son casi como ojos, por la historia que pueden comunicar), puede uno captar dolor, coraje, amor, generosidad, liberación interior.

En los momentos de Aibileen con la pequeña Mae o del hermoso flash-back de la periodista Skeeter con su nana Constantine , se transmiten los intensos apegos, afecto, dolor por abruptas separaciones. Alcanza uno a ver que entre estas"criadas" y los niños a su cargo podían surgir verdaderas historias de amor y gratitud, más allá de las restricciones racistas, sociales, legales que las regulaban.

Y el otro tema que me llevo de esta película es el de la valentía personal. Cómo el paso que da una persona, luego dos personas, luego tres y más, en el gesto de romper el silencio, intentar la justicia a través de la divulgación de testimonios, tiene un efecto. Es lo que hace Aibileen contando su historia y promoviendo que otras criadas cuenten su historia.

Un paso, a la larga, liberador en lo personal.

Muy bella película, la recomiendo. Y un momento hermoso, culinario, que llamo "la escena Crisco". Sï, relacionado con la manteca Crisco. Y otra cosa: siempre es un placer toparnos con Sissy Spacek en una película.

"You is kind. You is smart. You is important" (Aibileen to Mae en "Historias Cruzadas")

Con dos T

2012-01-09T21:27:00.012-04:30

También en los años 70 las mamás usaron la tecnología para entretener a sus hijos.

Mi mamá nos leía cuentos, y también los grababa para que no extrañáramos su voz mientras cumplía su multitasking. Y era genial.

Eso y otras presencias, como la gran biblioteca del pasillo de la casa, la llegada de nuevas y excelentes enciclopedias de avanzada producción, los regalos de libros juveniles, el respeto por lo escrito, nos hicieron lectores. Escuchando historias, las leímos. Ayer, en páginas impresas. Hoy también en páginas digitales.

Margueritte ("avec deux t", con dos T), o Margarita como mi mamá, es la protagonista de "Mis tardes con Margueritte" (La tête en friche, 2010), con la cual abrí mi 2012 de cine en sala. Si han visitado este blog de vez en cuando ya saben las predilectas: las calladitamente intensas, las que celebran la vida, los detalles, los encuentros furtivos e inesperados... Trailer

¿Y qué más inesperado que el encuentro cotidiano de una anciana lectora y un rudo obrero? Un hombre que ante nuestros ojos se transforma, con los acertados matices actorales de Depardieu, en el receptor y generador de una nueva vida, visualizador primero de la vivacidad de las imágenes dibujadas por palabras, beneficiario de la autoestima ganada por el desplazamiento interior promovido por la lectura y finalmente, celebrante de la amistad, la gratitud, el perdón, facilitado por la afinidad de las almas. Una historia de amor, sí, en muchos sentidos.
No diré mucho más, sólo que me siento contenta y privilegiada de haber iniciado mi aventura cinéfila de este año con esta pequeña, gran película basada en la novela homónima de Marie-Sabine Roger.

Véanla, serán felices, más sensibles, más humanos, de eso se trata también, me ha parecido siempre, el ritual ya centenario de contemplar el mundo-espejo desde una butaca.

(Margueritte, es decir, Margarita. Pero "con 2 t".)

¿Dónde comienza la paz?

2011-12-31T10:09:00.014-04:30

Para cerrar el año 2011, que no fue muy cinematográfico en mi caso, recomiendo tres películas interesantes.

El Amante (Io sono l'amore, 2009). Trailer

¡Pura filigrana narrativa! Combinada con la actuación cerebral y extrañamente intensa de Tilda Swinton. Cine apuntalado por la elegancia de los gestos, de los ambientes, cierta ambiguedad de la trama y, al mismo tiempo, obra de mucha contundencia y pasión. Y tono de tragedia.

El martes, después de Navidad (Marti, dupa craciun, 2010). Trailer

Para el espectador que normalmente somos, mejor será ir preparado para escenas largas -larguísimas- concebidas para dibujar con calma y de manera realista, natural, las acciones, reacciones, pausas, tránsitos, giros y rutinas, nada extraordinarias, de sus tres personajes principales.

¿Y cuál recomiendo especialmente? En un mundo mejor (Hævnen, 2010). Sin dudas, una profunda y provocadora reflexión sobre la violencia y la paz en términos prácticos, pero desde su cara íntima, personal, germinal. La violencia que se activa o no se activa según la decisión consciente de cada persona. Un vistazo al trailer...

¿Cuándo es venganza, cuando es justicia?

Puede ser desalentador concluir que cargamos con una respuesta innata de violencia y que apartarnos de esa ruta supone un enorme esfuerzo de razón.
Puede ser esperanzador saber que se puede intentar, e incluso lograr, evitar la violencia.

¿Dónde se cuecen la violencia, el terrorismo, la persecución? ¿Cuándo empiezan en la vida de un individuo?

Pero alguna decisión diaria tenemos todos que tomar.

Finalmente, recomiendo un par de cortos: Tanghi argentini (2006) y Deep & Crisp & Even (2009), ambos disponibles en Youtube. Refrescantes cortometrajes con los cuales inicié el mes de Diciembre.

Esperando que 2012 venga con buenas películas... Inspiración y acción.

¡Feliz Año!

Fantasía del Odio

2011-09-11T22:12:00.008-04:30

Más allá de mi escuela de música mataron a mi padre mi papá me sirvió el desayuno en una balacera vi los ojos de un Angel herido que disparaba después de caer por la ventana me miró a los ojos me dijeron vete que te van a matar me escondí en la camioneta de los tipos después supe que habían matado a mi madre los mismos que mataron a mi padre yo puedo odiar yo puedo vivir si odio viviré secuestrada toda la vida de una fantasía de venganza en la que aparecen personajes gélidos y azules yo puedo odiar o puedo no odiar si me consumen la orfandad y la pérdida nunca seré ni libre ni tendré sosiego qué significa ser guerrillero reinsertado qué significa reinsertarse mi papá era un reinsertado se llamaba Angel pero tuvo otra vida y se llamaba diablo eso fue antes de que me despertara por la mañana y me sirviera el desayuno soy blanca soy morena mi ciudad puede ser cualquier ciudad o jungla pero es una ciudad de Colombia pero los que me ven en esta película y conviven con la violencia saben que no importa el nombre del lugar y que yo estoy en el centro del odio y que el odio tiene forma de espiral es un cuento de nunca acabar el odio es un círculo donde bailan quienes tienen motivos y quienes no a mi padre lo mataron y al padre del que mató a mi padre también lo mataron y el cuerpo lo guardaron en varios sacos ahora sólo quedo yo y mi futuro puedo odiar puedo no odiar y alguien me pregunta adónde la llevo no sé porque es muy pronto y la película se acaba y perdonar yo todavía no sé ni que es eso puedo odiar puedo no odiar puedo atascarme pero también puedo moverme, puedo remitir suspender puedo no odiar más.

(Algo de lo que quedé pensando después de ver Saluda al Diablo de mi Parte del director colombiano Juan Felipe Orozco).

For Precious Girls Everywhere

2011-08-29T19:30:00.008-04:30

("For Precious Girls Everywhere" - Dedicatoria final de la película “Precious”)

Hace unos años hice un post de películas “deprimentes imperdibles”

Hace unos días, después de ver por primera vez “Precious” (Lee Daniels, 2009), pensé erróneamente que la incluiría en esta lista.

Lo pensé bien… ¿Me deprimí realmente con esta película?

El sabor que dejan los últimos segundos de una película, que transcurren con los créditos finales, es una señal que vale la pena retener. Es fácil perderse el mensaje de estos segundos, pero es importante recordarlos. Y en este caso, el áspero y despiadado territorio emocional que conforma el mundo de “Precious” casi pudo más que la luminosa propuesta de renacimiento que encierra su historia.

De la película me fui a la novela: “Push” (1996, Sapphire). Libro duro, difícil de tragar, Dibujado desde un monólogo crudo, cándido, adolorido, cálido, estremecedor, humorístico, cruel. Un relato descarnado del abuso sexual y emocional sufrido desde una edad tan corta como imposible de imaginar, por una adolescente norteamericana de raza negra nativa de Harlem.

La película “Precious” muestra la transición de una vida de abuso a una vida de promesa, de la mano firme de una nueva identidad arduamente ganada. Ese pasadizo, ese rescate, esa evolución de “No ver” a “Ver” que experimenta Precious es un puente precario, mediado por el poder de la introspección, de la verbalización, de la visualización (“Write!” le implora y exige su maestra el día de una noticia particularmente devastadora).

El descubrimiento de las palabras, de los números, de la disciplina de estudiar, del afecto de personas que la aprecian, hace que Precious se reconozca y se destaque entre otros quienes, como ella, buscan y dan una segunda oportunidad. Pues en el libro coexisten con la historia de Precious otras historias, abusos semejantes, otras voces sobrevivientes a las cuales tiene acceso el lector. La verdadera dimensión del maltrato a Precious es descrita completamente en el libro, reducida en la película.

Una alternativa educacional que me recordó algo que en mi infancia conocí como “Parasistema” (mi padre daba clases en un liceo nocturno para adultos), cambia para siempre la vida de Precious. Mejor dicho: Precious acude, se presenta, a esa cita, a ese reto de cambiar. Así, la escuela, llamada “Each One Teach One”, así una tenaz y sensible maestra, Miss Rain, con una fe inquebrantable en el acto de escribir como vehículo de autodescubrimiento, así el espejo de otras compañeras, termina catalizando en Precious la irrevocabilidad de escoger una vida propia y diferente.

Siempre abonada por su fértil, salvadora imaginación.

Libro y película: más que recomendables. Precious es la narradora en ambos. En el libro, su “voz” va configurando un tajo hirviente que describe un maltrato inconcebible. La voz de Precious es real, una voz no editada, no estilizada, alimentada por un habla, una gramática, que cambia de color, de luz, de ritmo, disperso, saltarín, recurrente, impulsada: Precious.

En la película, la magnífica actuación de Gabourey Sidibe es razón de más para excluir a Precious de cualquier listado de películas “deprimentes”, aunque seguramente lo parezca. Monique, personificando a su madre, encabeza un elenco acompañante que bien vale la pena apreciar.

Volví a verla. Precious es, sin duda, una película imperdible. Y, según entiendo, muy controversial en su país.

"I'm alive inside. A bird is my heart. Mama and Daddy is not win. I'm winning.”

Los fantasmas de Macedonia

2011-08-06T23:49:00.007-04:30

Interesante, ver una película ubicada un sitio que desconozco absolutamente (Macedonia), en un género que no suelo escoger (thriller), con actores que jamás he visto, andaba a tientas buscando posibles temas, posibles mensajes y símbolos, mientras recibía estudiadas imágenes de una parte del mundo y una cultura en los cuales no había reparado hasta ahora.

Entre los muertos (Senki, Milcho Manchevski -2007) se esmera marcadamente en lograr la apariencia de eso que se conoce como "hollywoodense". Por ahí, nada nuevo; puede decirse que es una historia de fantasmas y suspenso que ya se ha visto muchas veces. Ahora bien, eso no le quita ni emoción ni otros méritos como la fotografía y las actuaciones, donde se apoya realmente la fortaleza de esta película.

La fotografía es abundante en recursos, anclada en espectaculares paisajes (que provoca conocer) y artístico esfuerzo. Las actuaciones, sólidas, amplias, de intérpretes escogidos con mucho acierto. Destaca el protagonista "Lázaro" y uno de los fantasmas que lo acosan, "Menka", un ambiguo personaje que realmente no pude del todo descifrar.

Como dije, no sabía nada de Macedonia. Ahora sé algo. Pero en mi estado previo de no saber nada de Macedonia, la película está lo suficientemente bien contada como para permitirme aventurarme a adivinar por dónde pasan algunas de sus corrientes temáticas subterráneas. Universales. Incluso, esas sí, familiares para mí.

No dudo que además de las aventuras extrasensoriales del protagonista, es una película que nos habla del dolor de la historia, ancestral y reciente, de un pueblo. Una memoria literalmente sangrante. Me pareció escuchar el rumor de gentes desplazadas de su lugar de origen, dolor por la discriminación y la desigualdad, dolor existencial por vivir no estando realmente vivo y tener que atravesar la muerte para poder, finalmente, escoger la vida... Eso me pareció escuchar.

Il Bacio di Tosca al aire libre

2011-07-24T22:06:00.005-04:30

Esta noche fui al cine. Cuando se filmó "Il bacio di Tosca" (Daniel Schmid, 1984) hace más de 20 años, uno se enteraba de las películas por "el cuerpo de Cultura" de un grueso diario, o volantes, o algún solitario afiche o comentario. Hoy no: estamos en el siglo XXI, basta con Twitter, basta con seguir, con buscar.

Así me encontró la noche este domingo, en la plaza Bolívar de Chacao, en mi silla plástica frente a la pantalla al aire libre, enmarcada en árboles, siluetas de patinetas y bicicletas que jugaban más allá. Se fue la tarde y quedó el campanario iluminado, la audiencia y su anonimidad, una calma de burbuja, un segmento luminoso y neutralizador, pacífico.

Prácticamente no sé nada de ópera pero desde esta noche tengo una nueva estrella a quien recordar, Sara Scuderi, y un lugar por conocer, la Casa Verdi. Scuderi se roba el show, es una de las ancianas cantantes líricas que la cámara de este documental muestra desde la Casa di Reposo per Musicisti. Tanta intensidad preservada en sus cuerpos octogenarios, nos llega intacta. No sólo emana de Scuderi, sino de todo el vistoso elenco de residentes del ancianato, otrora afamados intérpretes del canto lírico, otrora compositores, otrora arpistas, voces de una época ya casi centenaria.

Tan intensa su presencia, decía, que desde nuestras butacas plásticas azules hubo varios conatos de aplausos en varios momentos. Como si en lugar de esta Plaza Bolívar estuviéramos por obra de algún artificio, en la Scala di Milano. Una película sobre la etapa del retiro y del recuerdo después de una vida intensa, en este caso, de artistas que se consagraron a los aplausos, a los escenarios, a la música, a las emociones, a los colores y las texturas de sus trajes, y ahora se reviven a sí mismos en largos close-up, reveladores segundos de cámara que captan sus reacciones, dudas, y el intenso latido del corazón en sus frágiles cuellos mientras escuchan en tocadiscos sus voces de otro espacio y otro tiempo.

("Creo que cantaré hasta dos horas después de mi muerte...")

No tengo más que decir: si se topan con Il Bacio de Tosca, véanla, con el corazón abierto a personas queridas, admiradas por ustedes, que ya no están, que vivieron un mundo que no es éste y lo hicieron con pasión y honestidad hacia sus dones. Personas que llevaron su talento hasta octavas irrepetibles y esa intensidad, que traspasa la cámara, las sostiene, las sostuvo, en sus últimas andanzas por la casa que Verdi tuvo a bien entregar para esta posteridad.

(Una película de insectos, plagada de colores y aventuras, se despide con una toma reveladora de que aquella inmensa jungla universo de 2 horas era apenas un punto en un gran parque de una gran ciudad.
En Il Bacio di Tosca, no se paren de la butaca, no busquen el control remoto, sin haber disfrutado de la última toma. Pongan atención al sonido. Ese intenso universo lírico, de remembranza, de amor por el arte, de 2 horas, era apenas una vieja casa, en una transitada calle, en una agitada ciudad, en un turbulento mundo, donde poco a poco, en la toma, las voces, los dramas, el piano, se van perdiendo, diluyendo, entre bocinas, tráfico, maquinaria, ciudad. Son pasado, voces pasadas, un tiempo sin tiempo, un punto apenas, en una gran avenida de una gran ciudad.)

En un tobogán de barro

2010-07-21T22:28:00.010-04:30

"Taking Woodstock" no es una película sobre la tarima de Woodstock, sino sobre la "cola" de Woodstock. Sobre la periferia del concierto, cuerpos-satélites gravitando y-literalmente- sobre el reguero que dejó la enorme movilización.

Resulta a propósito des-romantizadora y sin música! (Interesante: corrí para no perderme ni un minuto de música pero nunca llegue a escucharla, orillando como estuve durante toda la peli, junto con los hippies, siempre caminando y sorteando carros, camionetas, gente, barro, carpas, ventorrillos, en tránsito hacia algo que sucedía en un punto lejano, estuve presente sin enterarme de las canciones/mensaje, sin saber muy bien hacia dónde iba ni por qué).

Creo que el director hizo un muy buen trabajo metiéndonos en ese tiempo fragmentado, esa muchedumbre etérea e inmersa en el barro, registrando esa perspectiva laxa, alucinante, a la distancia, de los que van a la cola de las grandes movilizaciones, de los que nunca llegan en realidad a la meta porque ésta sucede mientras se avanza hacia ella, en una época donde no podía uno comunicarse por celular con los que estaban cerca de la tarima.

Para Eliot, su protagonista, el recorrido tuvo un sentido y un fin transformador y liberador. Personaje real, Elliot Tiber, fue el emprendedor y coordinador que dio una sede al famoso festival. En el terreno quedó la basura y el barro; para Eliot, fue el comienzo de una vida distinta.

Bob, lejos de Tokio

2010-07-18T20:28:00.012-04:30

Doce años antes de que Bob, de "Lost in Translation", aterrizara en Japón para filmar un comercial de whisky...

Estaba otro Bob, perdido en New Hampshire.

De unos años donde no necesariamente había que llenar todos los espacios (silencios) de una película con el soundtrack (y me encantan los soundtracks), y la televisión reinaba todavía como medio de comunicación, recomiendo esta comedia de 1991 con esa maravilla de actor que es Bill Murray, acompañado por Richard Dreyfuss.

En What about Bob? Bill Murray y Richard Dreyfuss, respectivamente como paciente "multifóbico"histriónicamente ansioso y un siquiatra de vanidad desbordante, construyen una serie de episodios clásicamente cómicos que exploran a su modo la relación médico-paciente.

¡No apta para médicos y terapeutas sin sentido del humor! Claramente la película es una exageración de situaciones reales pero no está exenta de algunas reflexiones. La caricaturesca inversión de roles, la popularidad que adquiere Bob y la manera como a través de la familia del siquiatra percibimos lo nada fácil que debe ser vivir con él, dejan algo en qué pensar.

Otra más que pesco del libro "Motion Picture Prescription" del Dr. Gary Solomon.

Si Bill Murray no les arranca aunque sea (01) carcajada con ésta... ¿Algo anda mal?

El CHANCE de caminar con Dustin y Emma

2010-05-30T21:06:00.014-04:30

Se llama "Last Chance Harvey". No se la pierdan; sobre todo si les gustan las películas donde no pasa nada :-) pero a la vez pasa mucho. Y los Brief Encounters. Y las grandes pasiones subterráneas ¿Recuerdan a Emma Thompson y Anthony Hopkins en Lo que queda del día? Y Perdidos en Tokio dirigida por Sofia Coppola? Y Antes del Amanacer/Atardecer, etc.

Kate & Harvey no es Lo que queda del día: pero requiere de sus dos actores principales destrezas de esa tesitura. El lenguaje corporal que los distingue de una pareja de personajes (y de actores) más jóvenes; la calma y la gracia, la paciencia y la intensidad. Convincentes interpretaciones de dos grandes del cine. La diferencia de estatura no es más que un chiste y un detalle que agrega realismo a la historia: pero ambos se complementan en su talla de sensibles, profundos actores.

Nota aparte para destacar a la actriz Liane Balaban, quien supo identificar la importancia de sus breves apariciones para dar a la hija del personaje de Dustin Hoffmann el contenido necesario para comprender en fracciones de segundo una historia de dolor padre-hija.

Si la quieren ver ¡Vuelen! Pocos ven estas pelis y las quitan de cartelera en un suspiro. En la sala donde la ví, éramos 3.

Al son que le toquen

2010-03-07T00:10:00.001-04:30

Como nos narran los cuentos

2010-02-22T20:28:00.007-04:30

El de arriba es el guionista Atom Egoyan, según una entrevista a Declan McGrath yFelim MacDermott, nombrado así por sus padres armenios "cuando se acababa de construir la primera central nuclear egipcia".

El de abajo es el actor Ian Holm, protagonista de El Dulce Porvenir (The Sweet Hereafter, 1997), escrita y dirigida por Atom Egoyan. Ian es el pivote de esta historia.

La del medio es Sarah Polley, actriz que he podido apreciar ya en tres oportunidades con ésta y las tres me han resultado experiencias de fuerte impacto emocional: Mi Vida Sin Mí; La Vida Secreta de las Palabras y The Sweet Hereafter. Por esta pequeña muestra me atrevo a opinar que no le teme a personajes complejos, profundamente heridos, en historias con temas límite y directores listos para desnudar y rasgar.

Dejo acá una cita de Egoyan sobre su forma predilecta de narrar y les recomiendo esta película si les gusta armar rompecabezas y quedarse pensando en las pelis un buen rato después de apagar el reproductor.

"La narración no lineal permite que el espectador explore, rechace o se vincule a un personaje y su situación, de una manera que no puede conseguir la narrativa tradicional."

Y conviene recordar el cuento, como nos lo contaron y/o leímos :-)

El Flautista de Hamelín

Una escena muy "pavosa" (con 7 años de mala suerte)

2010-02-15T19:34:00.008-04:30

La siguiente escena es el final de La Dama de Shanghai en el salón de los espejos(alerta de spoiler) .

Veredicto: Siete años de mala suerte.

"Todo el mundo termina siendo el tonto útil de otra persona. La única manera de no meterse en líos es ponerse viejo. Mejor me concentro en eso de ahora en adelante."

Meryl Streep en El Ateneo de Caracas

2010-02-10T16:59:00.003-04:30

Encontré en mi archivo este programa de mano que distribuyó el Ateneo de Caracas durante el ciclo "Meryl Streep: Las Metamorfosis de una Actriz" (Agosto 20 a Septiembre 16 de 1989).

Celebrada hace 20 años, la muestra de la Sala y Ensayo Margot Benacerraf incluyó las siguientes películas:

El Francotirador - The Deer Hunter (1978)

Manhattan - Manhattan (1979)

Kramer Vs. Kramer - Kramer vs. Kramer (1979)

La Decisión de Sofía - Sophie's Choice (1982)

En la Quietud de la Noche - Still of the Night (1982)

Reacción en Cadena - Silkwood (1983)

Amor a Primera Vista - Falling in Love (1984)

África Mía - Out of Africa (1985)

Plenty o Una Mujer Rebelde - Plenty (1985)

La Amante del Teniente Francés - The French Lieutenant's Woman (1981)

El Difícil Arte de Amar - Heartburn (1986)

Tallo de Hierro - Ironweed (1987)

Un Grito en la Oscuridad - Evil Angels (1988)

On Golden Pond

2010-02-01T19:23:00.008-04:30

Indicada en mi libro The Motion Picture Prescription (Gary Solomon) estaba y la he tomado en una sola dosis. Es un poema -no, viene en forma de película- llamada On Golden Pond y es del año 1981.

Intensa. Intensamente hermosa. En temas, en poesía, intensa en actuaciones, intensa en recuerdos, silencios y sonidos interiores, en resonancias.

El Dr. Solomon la recomienda para las personas que deseen explorar temas como viejos conflictos con los padres, dificultades para comunicarse y abrirse ante un ser muy querido e
importante, a plena conciencia del paso del tiempo... Entre otros "temas de sanación" sugeridos por este amable doctor de películas.

On Golden Pond es conmovedora y es un espejo de la vida, entre otras cosas, porque nos pone a ser testigos de ese misterioso, complejo, noble músculo que entre dos se forma cuando se ha compartido toda una vida juntos. Ver a Henry Fonda y Katharine Hepburn acoplados prácticamente a la perfección como personajes y como artistas, te llena el alma de espectador de orgullo por la vida y por el cine.

No siendo conocedora de las epocas doradas de estos grandes actores, tan sólo pude recordar en la mirada de Henry Fonda anciano la intensidad que le vi hace un par de años en
mi DVD de Las Uvas de la Ira (The Grapes of Wrath, de 1940). Y no pude sino admirar, con un espontáneo y súbito afecto, a una fuerte, serena, alegre anciana Hepburn, arrancando su bote de motor fuera de borda, así no más ...

Cuánto cine me espera allá por esos años ... Cuánto por rebobinar.

P.D. Un momento. ¿Como es posible que Katharine Hepburn y Henry Fonda le dieran permiso a Billy de 13 años para pasear solo en esa lancha por el lago?

Misterios de las películas. Pero me alegra que lo hicieran porque la escena de Bill solito, acelerando por ese lago adentro, haciendo piruetas en esa lancha es un momento demasiado sabroso, tanto que provoca volver a tener esa edad y saber manejar una lancha y tener unos abuelitos tan consentidores que no sólo tienen una casa en el lago sino también lancha y se la prestan a uno un rato...

Desentierros

2010-01-24T20:57:00.006-04:30

Con placentera conclusión termina mi domingo. No sé si existen o no las coincidencias pero qué casualidad que una mano afanosa corrigiera la "grilla" de Enero del Celarg y encima de la casilla donde decía "Un lugar lejano" de José Ramón Novoa (la película que me proponía ver) pegaran un papelito que decía "Venezzia" de Haik Gazarian. Casualidad, pues porque hoy por la mañana saqué un postergado DVD obsequio de mi hermana titulado "Closing the Ring" y después por la tarde me sale "Venezzia"(?)

Ambos relatos centrados en mujeres que encontraron el amor de su vida en soldados estadounidenses. Dos mujeres de una misma época histórica (la Segunda Guerra Mundial), una en Michigan y otra en la costa venezolana! No entraré acá en consideraciones de calidad ni de distancias actorales y producción; ambas películas captaron mi interés, por razones y temas muy diferentes. Y me divierte el hecho de haber visto las dos -por casualidad- en un mismo día.

Encuentro interesante que sin complejos un director venezolano se atreva a plantear en Venezzia una historia de espías y submarinos nazis al calor de unos tambores de carnaval, huevos pericos, caraotas negras, arepas, hallacas, selva, playa y... petróleo. El mismo ha dicho que quiso presentar una postal de nuestro país (y la comida, su preparación en curados sartenes negros, me recordó una alegre y colorida escena de cocina de La Virgen Negra). Según se afirma en Venezzia, 60% del petróleo de los aliados en WWII fue proporcionado por Venezuela.

Venezzia ha sido elogiada einsultada por "disparatada"."Closing the Ring"también parece haber encantado y desalentado a los críticos.

Me parece que Closing... es definitivamente un relato muy sensible sobre el tema del duelo, pero del tipo de duelo que nunca se ha querido conversar ni afrontar, de su dureza y su permanencia, del dolor suspendido que inutiliza y atrofia la vitalidad de un ser humano y termina impactando severamente la propia vida y la de los seres más cercanos.

Una ráfaga de mucha vida, color y movimiento le aporta el personaje de "Jimmy" como el desenterrador del anillo y desinhibido enlace entre dos épocas, en lo que termina siendo alguna posibilidad de esperanza de liberación y alivio para la anciana protagonista. Una mujer que suprimió sus afectos y se autoexcluyó prácticamente de los pesares y alegrías de la vida.

Dos historias impactadas y rasgadas por una misma guerra, pero donde sus protagonistas toman decisiones radicalmente distintas que les permitirán aferrarse al pasado o moverse hacia el futuro. Enfoques, el de una y el de la otra, para nada parecidos, que les permitirán disfrutar o no de la vida, después de un mismo dolor y pérdida.

A not-so-me Sunday

2010-01-18T19:17:00.004-04:30

Huyendo siempre del gentío que se ha vuelto Caracas, jamás voy el domingo al cine pero este domingo encontré una ranura de MUTE y extraño desierto en la función de 12,40 M de Cines Unidos de El Marqués y me colé en una opción tampoco muy típica para mí pero era tanto el "buzz" sobre esta materia (Avatar) que tenía que verla, y a verla fui.

Bueno, pues valió la pena la transgresión de mi ocio reclusivo dominical!

Si no han visto Avatar, vayan y no la dejen pasar. NO comentaré nada porque a ustedes les sobran los reviews por todos lados, y yo ¿qué podría agregar? Sólo diré como el personaje de Sigourney Weaver ("Dra. Grace Augustine"), si yo, por alguna casualidad de este universo, voy algún día a un lugar así, como el paraíso de estos aborígenes azules, pues yo también"QUIERO TOMAR UNAS MUESTRAS..."

Mi mente pervertida por la politica de mi país (Chavez 1998-2010) me quita inocencia de espectadora. Sï, me resta, pero qué se le va a hacer. Todo deja mella en esta vida, no? Donde quizás hubiera visto sólo la fábula de un buen salvaje, se me aparecían Mesías y crédulas multitudes, y en medio de aquellas hipnotizantes selvas avatareñas que me cegaron por preciosos segundos con sus medusas cibernéticas, espíritus bondadosos de New Age, me despertaba en plena función alarmada por la familiar utopía romántica de un presunto pasado perfecto nativo.

Sí, la película lleva su mensaje de "paz y amor" en fin... nada más, Véanla.

Véanla, yo veria Avatar muchas veces porque es un espectacular, espectacular entretenimiento, sin duda un refinado esmero de técnica y tecnología. Y una nota humana aquí, el poderoso mensaje liberador que la experiencia de controlar a su Avatar obsequia particularmente al personaje "Jake Sully" de Sam Worthington.

Es más, pienso que en la Academia deben darle su premio a Neytiri: no hay duda de que es una criatura mucho más expresiva que algunas estrellas de alfombra roja... ¿Cabrá Neytiri en el Shrine Auditorium de Los Angeles? El que no va a caber de orgullo será su papá: James Cameron.

¿Ya les dije ya? Véanla.

Empezando 2010, The Apartment

2010-01-03T20:27:00.003-04:30

Qué suerte tuve, con ésta comencé mi año de películas :-)

La villana de al lado

2009-09-20T16:42:00.005-04:30

"Viste como golpeaban y maltrataban a tu hermana..."

Y no hiciste nada.

- Pensé que era una película de terror.

Dijo un poco desilusionada la chica de la butaca de al lado. Qué inesperado cambio de género.

- Resulta que es más drama que terror.

Concluyó, terminando sus cotufas y disponiendo su postura temporal a digerir otros contenidos, visto ya que no habría ni gritos ni exageradas palpitaciones.

"Pues yo sí creo que es de terror" pensé.

La peli es "El Encierro" (An American Crime, 2007 - Tommy O'Haver) Bien terrorífica. Si no lo creen, lean qué de la vida real la inspiró.

No brincarás de tu asiento pero te retorcerás por dentro al ver el espectáculo de una mente laberíntica (que podría ser de cualquiera que conozcas, de hecho) y la ejecutoria de la crueldad te dejan frío en la butaca. Y todo a cargo de un ser humano. No de un alienígena, o de un serial killer o un caníbal, sino una mujer de carne y hueso que sufre, padece, y plancha la ropa de otros para medio sobrevivir. Un ser humano devorado por sus propios e infinitos tormentos.

Entonces para qué verla. En mi opinión, para ver a una mujer de la vida real brillantemente interpretada por una actriz que atinó dándole una vulnerabilidad y una contradictoria vibración a su personaje. La absorbente interpretación actoral de Catherine Keener se adueña de un complejo personaje que lograr sembrar un terror interior, que resuena en muchas preguntas que se quedan sin respuesta. Igualmente admirable el trabajo de la joven Ellen Page, conocida por Juno.

Más allá de los hechos concretos narrados en el filme (el caso de Gertrude Baniszewski en Indiana, años 60), recomiendo esta experiencia cinematográfica (deprimente) porque perfectamente pudiera ser una ilustración del miedo.

En una escala más grande, An American Crime termina siendo una ilustración del inexplicable y corrosivo efecto del miedo cuando se instala en una familia, en una pareja, en un grupo humano, en una sociedad. Un retrato de esa parte de la naturaleza humana relacionada con nuestra capacidad destructora, nuestra potencialidad agresora, abusiva, irresistiblemente perversa.

Una peli imperdible para todos los interesados en la conducta humana, los vericuetos de la mente y sus "desequilibrios" y para los amantes de los acertijos de la interpretación actoral.

¿Cuánto puede transformarse un individuo ante el poder ilimitado de hacer daño si llegase a detentarlo?

Puede que no sea una película "de terror" de esas que explotan la taquilla. Pero ciertamente lo es porque atañe a lo que pudiéramos ser pero no quisiéramos jamás ser o experimentar. El miedo, el silencio cómplice o cobarde, existen. Son una realidad.

Y qué es o no es crimen, ¿torturar o callar?

Además, nadie me va a decir que esta señora actriz Keener no resulta a la larga bien scary de verdad. Y pensar que todo eso pasó de verdad...

Manantiales subterráneos

2009-08-09T14:27:00.005-04:30

Playa del Futuro (Peter Lichtefeld, 2005) me la obsequió mi hermana. Hoy Domingo la ví y puedo decir que le podría gustar a muchas personas, espero, pero especialmente le gustará a todo el que tenga entre sus pasatiempos ser un espectador-pescador: es una oportunidad cinematográfica confeccionada con creatividad para hablar sin estridencias, con el silencio incluso. Una peli que se siente inspirada en el afecto personal por situaciones o lugares específicos y experiencias cercanas al corazón de quien la concibió o llevó a cabo. De alguna manera eso se percibe en momentos contemplativos de la peli, intercalados aquí y allá, para nuestra alegría :-)

Personalmente me parece que por el lado de los temas que presenta y explora es donde se halla buena parte de su fortaleza; pero igualmente, es una película que disfruté porque gracias a su estilo narrativo, el protagonismo no pertenece a ningún personaje o grupo en particular sino que todo funciona como un agradable concierto donde en un determinado momento, cada instrumentista se aferra a su pequeño turno de hacer una "descarga" (así le decimos en Venezuela :-) y lucirse pues, ante un público ansioso de ver qué tiene cada virtuoso por dentro y qué tiene para mostrar. En Playa del Futuro, este estilo de contar permite que el efecto global sea equilibrado, con personajes que son personas de carne y hueso que logran tocarnos de alguna manera con su individual, única y revelada muestra de arte, impulso y actitud. Todos participan, todos son comensales en una mesa en la que uno participa también si quiere y se disfruta adivinando, o intentando adivinar, rápidamente en sus rostros de dónde pueden venir y/o hacia dónde quieren ir.

El ambiente geográfico es desértico y es hermoso, callado y dispuesto a recibir, y a veces parece un "decorado" inmóvil, encuadrado de manera amplia para terminar enfocándonos en la persona que lo transita y que lleva un sueño concreto en el momento, detrás del cual se mueve con decisión y con pasión.

A los pescadores de temas, qué tal éstos:

Sueños idealizados de la juventud que, aparentemente muertos, nos han mantenido vivos; la madurez entendida como una nueva oportunidad real de encontrar un sentido profundo a la vida; la honestidad en las relaciones -incluida la relación con uno mismo- como la mejor política, como dicen; el eterno movimiento y cambio de la vida, el secreto de la realización personal como una combinación de experiencia-conciencia-actuación oportuna, sin olvidar un importante aderezo: el movimiento y la intemporalidad como una de las pocas cosas verdaderamente verdaderas...

¿Qué tal? Eso fue algo de lo que pude pescar en mi primera visita a Playa del Futuro, que me hizo sonreír genuinamente más de una vez, particularmente al recordar algo de la película La Fiesta de Babette, que tanta felicidad me dio un día en el Ateneo de Caracas, y de la novela de Joanne Harris "Coastliners", ésta con sal y mar de verdad verdad :-)

Como Playa del Futuro es una película que resuena de muchas maneras, invita a seguirla viendo para pescar más sorpresas. Espero hacerlo en algún momento pronto.

El viento que se irá

2009-06-27T22:13:00.009-04:30

Hay vientos de vientos. Cuando pequeña me gustaba el viento de la playa, o de la montaña que acompañaba la ruta hacia la colonia de alemanes, el viento que formaba remolinos en un patio. Hoy amo el viento repentino que precede a la lluvia rápida y tajante de Caracas. He conocido varios vientos, acá en Venezuela y ocasionalmente, fuera de mi país. El viento viene de pronto y refresca, anuncia cosas, o se lleva cosas.

Esta película titulada en inglés "The Wind That Shakes the Barley" (literalmente El viento que agita la cebada y titulada en español El viento que acaricia el prado)...

The Wind that Shakes The Barley trailer
Cargado por ifcfilms. - Videos de arte y animación.

Es una película que muestra las hendiduras, los abismos y las rabiosas heridas que se abren como consecuencia de la intrusión y el acoso de la política y la guerra (hasta en sus novedosas, mediáticas, tecnológicas, encadenadas modalidades del Siglo XXI) en el espacio más íntimo y personal.

Retrata la transición a ese momento en que la política/guerra se incrusta en el alma, en el cuerpo, entre hermanos de una misma familia, de una misma tierra. Una historia que quienes hoy día padecemos la tragedia de la división estimulada y exacerbada desde el poder, sabemos reconocer, y no sin dolor.

Fue esta película la última que vi en la Sala de Arte y Ensayo Margot Benacerraf del Ateneo de Caracas en Enero del año pasado (2008). "La Margot" fue parte de mi vida desde por allá por los años 80 cuando, junto con la Universidad Central de Venezuela, el Ateneo formó parte de un binomio de formación humanística que plantó semillas que siempre me han acompañado y sé que seguirán.

Y mientras más viento tenga en contra, más tendré que cuidarlas dentro de mis bolsillos, para que no se me vayan.

Ese día del año pasado, de alguna manera supe que sería la última vez y así fue. La última vez que esa sala generosa y yo nos encontramos.

Hoy pasa por Venezuela un viento tóxico, desgarrante, por esta ciudad mía, nuestra, que borra nuestros contornos, se lleva nuestros nombres escritos a mano con la caligrafía mutante de la niñez, la juventud y la madurez. Es un viento empeñado en barrer los recuerdos, los espacios de solaz, de paz, los más íntimos, los más fructíferos y fértiles.

Un viento que asola, despoja, desaloja, corroe pertinaz nuestra certeza de pertenencia, para volverla, (para volvernos) simplemente una ilusión de pasado.

Un viento que ha pasado antes por otros valles, otras llanuras, otros escenarios, durante eso que se llama la historia. Un viento que tendrá que irse.

Y que se irá.

Gracias Ateneo de Caracas, por todo lo que recibí de ti.
Mil veces gracias.

Heroínas de la tradición

2009-06-11T22:22:00.005-04:30

Más allá de lo que pueda opinarse, reflexionarse o analizarse sobre ellas, hay películas que pueden resultar una gimnasia interesante, al rozar las expectativas y condicionamientos que
portamos junto con el ticket de entrada, queriendo o no.

Me pasó con "Arranged", que forma parte del Festival de Cine
Judío de Caracas (del cual también he visto "Medusa" y "La Cámara Oscura"). Pueden ver la sinopsis aquí.

Yo sólo diré que me pregunté cuán sincero puede uno ser, cuán abierto se está realmente dispuesto a ser, cuánto más contemplativo y menos sentencioso o invasivo, frente a eso que se llama la "diversidad".

Directo al grano, diré que me preguntaría cuán flexible cómo mujer/espectadora puedo realmente ser para ver, sin juzgar, a dos mujeres jóvenes abrazar sin disculpas sus creencias religiosas y apegos familiares y tradicionales, sin caer (yo) en la tentación de usar verbos como "sucumbir", "someterse", "sacrificarse", etc.

Y me preguntaría cuán abierta está y podría llegar a estar mi mente para apreciar la belleza de los símbolos de -estas dos mujeres- sin juzgarlas, sin caer nuevamente (yo) en la tentación de tildarlas de conformes o aburridas.

Cuántas historias de heroínas que luchan y se liberan de yugos familiares, representados por padres estrictos y entornos castradores... Cuántas hemos visto. Cuántas historias cuyo desenlace heroico consiste en una "liberación" ganada con el precio de la separación dolorosa, incluso violenta, de las propias raíces. Historias que han apelado a la fibra de natural rebeldía de quien las ve... Pero que poco preparan para la serena aceptación de quien simple, serenamente, no transgrede. Porque su búsqueda no consiste en la disonancia. Se muestran y genuinamente parecen ser felices, en lo ancestral, ubicadas en el presente.

Así entonces, qué pasa cuándo la fuerza interior de nuestras heroínas, no exenta de rebeldía, no exenta de personalidad, decide conscientemente expresarse -precisamente- en la perpetuación, en el ritual, en una interesante mezcla de conservar el pasado e inevitablemente "mestizarlo" con rasgos de un siglo nuevo que apenas está comenzando.

Santas Películas

2009-04-12T22:33:00.007-04:30

Mi ciclo de películas esta Semana Santa comenzó con La Noche del Cazador (The Night of the Hunter, 1955). Continuó el Viernes Santo con La Canción de Bernadette (The Song of Bernardette, 1943); el Sábado Santo con El Evangelio Prohibido (Mary, 2005) y terminó el Domingo de Resurrección con El Milagro de Henry Poole (Henry Poole is here, 2008) .Todas buenas películas, muy distintas obviamente, todas valiosas por diferentes razones, cada una merecería un comentario aparte.

Solo diría por ahora que con The Night of the Hunter (en mi opinión la mejor como obra cinematográfica de las cuatro que menciono) tiene una (entre varias) escena memorable sobre ciertos tatuajes de Amor y Odio, que coloco por acá, con este actor llamado Robert Mitchum, que no sé por qué me recuerda a Bill Murray. Otra escena que me quedó resonando, además del viaje de los niños por un río, en una especie de hermoso ritual visual y musical, es el dúo que hacen Robert Mitchum y Lilian Gish con la canción "Leaning"... La eterna lucha entre el "bien" y el "mal".

Con mi madre vi Bernardette, una historia sobre la felicidad y la profunda necesidad de creer y el compromiso también en que ello nos coloca. ¿Creer? ¿No creer? Para Bernardette este dilema no existía... ¿Para cuántos de nosotros sí?

Bien, ese tema me siguió el sábado con Mary: El Evangelio Perdido, una cinta más compleja, sobre la cual espero comentar en otro post pues es del tipo de obra cuya vocación es claramente hacer preguntas al espectador, no responderlas. El tema es la fe, de qué fuente proviene y qué papel tiene le asignamos en la vida, realmente cuánto y cómo pensamos en ella. Magnífica Juliette Binoche como siempre y ni hablar de Forrest Whittaker, que se entrega en un monólogo muy sentido retratado con una cámara que siempre duda, siempre se mueve y se balancea, y explora los rostros más cerca casi imposible.

Finalmente, una nota más ligera, no sin su peso dramático también, me llegó Henry Poole, un personaje también colocado por la vida en un momento donde la fe puede, o no puede ser, una tabla de salvación. Cercana por cierto me pareció esta peli, por un punto de vista muy latino de inclinarse a la fe, por la sencillez y espontaneidad de Esperanza, un personaje clave, por reconocerme en ciertas situaciones humorísticas que allí suceden y he visto pasar en la vida real.

Sin quererlo, sin realmente mucho pensarlo, me he topado pues con estas 4 generosas y recomendables películas, que les recomiendo mirar en algún momento... ¿Quizás la próxima Semana Santa?

Cine de los 70: Harold and Maude

2009-03-01T17:15:00.009-04:30

Esta recomendación la saqué del libro "Cine de los 70", un regalo navideño del 2008 de mis padres. Harold and Maude (Hal Ashby, 1971).

Varias razones para verla: se volvió un clásico de las "parejas disparejas", además tiene mucho de película de "iniciación" (coming of age movies), interesante para jóvenes cinéfilos; es comedia negra, tiene a Ruth Gordon ("El bebé de Rosemary"), el soundtrack es de Cat Stevens... Aquí dejo parte de la letra en inglés del tema principal "If You Want To Sing Out, Sing Out" y si encuentran la peli por ahí, no se la pierdan.

"Well, if you want to sing out, sing out
And if you want to be free, be free
cause theres a million things to be
You know that there are
And if you want to live high, live high
And if you want to live low, live low
cause theres a million ways to go
You know that there are
You can do what you want
The opportunity is on
And if you can find a new way
You can do it today
You can make it all true..."

Cruces y posibilidades

2009-01-25T22:37:00.005-04:30

Es posible que Gabrielle (Audrey Hepburn) y Chuck (Tom Hanks) se crucen en sus historias por un momento.

Obviamente separados por una distancia temporal The Nun's Story (Fred Zinnemann, 1959) y Cast Away (Robert Zemeckis, 2000), en su contexto, ambos personajes se detienen un momento, miran su horizonte, antes de continuar hacia una vida nueva. Los dos vienen de regreso de un intenso viaje interior, que lo abarcó todo, a través del cual se han despojado de una vida ahora pasada. Su identidad fue sometida a pruebas extraordinarias, propias de los límites. Han conocido el efecto depurador del silencio absoluto y de la mirada enclavada en el interior de uno mismo, por requisito o circunstancia.

Lo cierto es que los finales de ambas películas están hechos de un material vibrante: el de las posibilidades.

Claro que nada en común tiene el relato de Gabrielle con el de Chuck pero las imágenes de cierre de las películas que los alojan viajan en el sentido de un nuevo comienzo, derivado de una profunda revisión de la vida y la reafirmación de la pasión de vivir.

Es el instante en que abrazan esa pasión, honestos, victoriosos por haber recorrido un minucioso examen de su propia naturaleza. Los sostiene una fortaleza que fue ganada a fuerza de silencio, conflicto, riesgo.

Chuck y Gabrielle probablemente tienen ante sí una puerta y unos caminos abiertos que conducen a su vez a muchas puertas y caminos. Ha sido un renacimiento, con su posibilidad de volver a elegir, y esta vez van sin apegos, sin accesorios, sin equipaje, sin vestigios, sólo con su ser enfocado y liviano de dudas...

Hacia caminos abiertos de posibilidad.

Teatro Avila, 1939: El Gran Vals

2009-01-18T20:32:00.003-04:30

Hoy ví esta película (The Great Waltz, 1938) con la cual fue inaugurada la espectacular sala del cine Avila en Caracas en 1939. Es un musical inspirado en Johann Strauss y ésta es una de las escenas que más destaca por su belleza: se refiere al momento en el cual el compositor y su acompañante la soprano Carla Donner crean el vals Cuentos de los Bosques de Viena. ¡Excelente! Disfrútenla...

Cines de Caracas aquí...
El Cine Avila fue durante muchos años el sitio de las premieres de los musicales de MGM. También fue el cine donde se estrenó Lo que el viento se llevó, en 1940. Estaba en el centro de Caracas, Av. Sur 4, entre las esquinas de Bolsa y Mercaderes, cerca del Metro Capitolio.

Donde no pasa nada...

2008-10-15T22:33:00.004-04:30

Es una peli donde NO PASA NADA. Todo lo que pasa son trenes.

Vías cruzadas (The Station Agent, 2003) es una peli que se desplaza de izquierda a derecha, de derecha a izquierda, o se detiene a ver pasar.
Del trío de personajes que la protagoniza, nos queda la impresión de haberlos visto pasar. O de que ellos pasaron y nos vieron a nosotros sentados en un andén.

Pero ese paso fugaz, nos deja una impresión profunda. De modo que, si te gustan películas donde básicamente no pasa nada pero se quedan contigo, ésta te la recomiendo. Llegué siguiéndole la pista a la actriz Patricia Clarkson, después de admirar su papel en "Retratos de Abril".

Si acaso es algo, es una exploración de algunos temas. Siempre en ida y venida. La soledad y la compañía, el movimiento y la quietud. Aproximarse y replegarse, hablar y callar. Alto y bajo, perseguir y esperar. La conexión y la desconexión, la confianza y la autocompasión...

SI acaso es algo, es también una visita a la amistad como convenio profundo de compañía temporal de almas que conectan y se entienden en determinadas circunstancias... De familia escogida de miembros
contrastantes e inesperados.

Tiene lugar en un universo de hoy con una presencia del ayer. En una estación de trenes, en depósitos de trenes, en una biblioteca, en caminatas por viejos rieles... Los tres amigos de la película habitan en lugares de paso o que recuerdan la temporalidad: una casa para escaparse del dolor, un viejo "depot", un carrito de hot dogs.

Momentos de magistral brillantez en los rostros y miradas de actores de medida justa y profundidad, que se crecen en los silencios y la mutua observación, de su ir y su venir.

Como cuando leía mis libros de aventuras...

2008-09-06T19:22:00.006-04:30

De La Isla de Nim, que la recomiendo como eso que llaman "sano entretenimiento", me gustó ver a una niña LEYENDO libros de aventuras... Un hecho algo raro estos días. Y, de hecho, anticipando con placer la experiencia de leer. Mas raro todavía. Para mí eso es importante como tema subyacente en esta película, que en lo particular me parece busca regresarnos un poco a encontrar el placer de habitar el mundo de lo "imposible", lo "lejano", el "valor" y el coraje... a través de los libros. Aunque su lema es "sé el héroe de tu propia historia". Pero la inspiración que uno toma prestada de otras historias puede ser muy importante también, no?

En conjunto disfruté el sabor sencillo de una narración en cierto modo, a la antigua, aunque bien acoplada con animación y efectos especiales, que sin querer queriendo te invita a poner tu propia imaginación a trabajar. Me gustaron las actuaciones; Jodie Foster tuvo buenos momentos de comedia, el tono ligero no le va mal, pero mi favorito fue Gerard Butler, me encantaron sus dos personajes. Abigail Breslin es una joven actriz muy talentosa, pero me gustó más en Little Miss Sunshine.

Más de mi libro de los 80

2008-07-20T22:28:00.006-04:30

No soy particularmente una fan de las películas bélicas pero les recomiendo La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket, 1985 - Stanley Kubrick) a todas las personas interesadas en el tema de Vietnam y, en general, a quienes les atrae el tema de la guerra y de la vida militar.

Tengo que admitir que la disfruté desde el principio hasta el final, incluso despertó mi interés en la novela original titulada "The Short Timers" escrita por Gustav Hasford, disponible para descarga gratuita en el web site del autor.

El primer "acto" de la película es una descripción detallada sin piedad del entrenamiento de los marines estadounidenses, al menos desde el punto de vista de los creadores de la película.

Particularmente me estremeció una escena crucial en la cual participa un misterioso francotirador... Y no digo más para no arruinar sorpresas. No se la pierdan, muy buena.

Primavera... Traída por el mar

2008-02-10T22:59:00.000-04:30

Mi hermana me obsequió en Navidad Ladies in Lavender, una película que tras la primera vista encierra para mí un viaje por la experiencia de la Maternidad, pero lo interesante es que esta maternidad tiene como protagonistas a dos ancianas. El tema se desarrolla a través de un joven náufrago que un buen día aparece en la costa frente a la casa de estas dos mujeres, encarnadas por las fabulosas Judi Dench y Maggie Smith. "You gave me life, now I'm going to use it" (Ustedes me dieron vida, ahora voy a usarla), son las palabras del "hijo" traído por las aguas, el día que finalmente sigue su rumbo hacia la libertad y el destino ya escrito para él.

Película de profundas, básicas, imborrables interacciones y microinteracciones humanas, prueba palpable de que la edad puede ser apenas una gran apariencia.

El agua vehículo de vida, trae y lleva una nueva ráfaga de pasión a dos mujeres que probablemente nunca imaginaron semejante aventura a estas alturas de la vida. Al final, el reto más grande de toda madre: dejar volar al viento un preciado mechón de cabello atesorado. De regreso al agua y al universo. Hermoso regalo, ¡lo recomiendo!

Tarde (premium) de cine

2007-08-05T16:30:00.001-04:00

- ¿Tú crees que Remy se sentía rata?
- No. No, él se sentia chef, se sentia humano.
- Pero tenía cosas de rata.
- Las patas, el pelo, la forma. Todo. Menos la mente.
- Pero él tenía cosas de rata que lo ayudaban.
- Bueno... Sí.
- El tenía algo en especial que lo ayudaba mucho.
- Sí! Sí, el olfato. El olfato y la habilidad. El tenía mucha habilidad.
- Habilidad física.
- Sí, habilidad para correr, para huir, para escaparse de los peligros.
- ¿Tú crees que cualquiera puede cocinar?
- Sí. Todo el que se proponga puede cocinar.
- Tú crees que la familia y los amigos de Remy cambiaron después que vieron que tenía éxito?
- Sí, ellos cambiaron.
- Cómo.
- Bueno, el papá se volvió más crédulo, empezó a creer en él y entre todos lo ayudaron. Antes el papá tenía miedo.
- Miedo de qué.
- Bueno, miedo de que le pasara algo, de los peligros que hay para una rata como él. Pero después cambió. Y lo ayudó.
- Mira, tú dices que Remy no se sentía rata, sino chef, humano. Pero qué pasa si no hace nada, si se queda con eso así, como si nada.
- Bueno, se deprime. Si no hace nada, se deprime.
- Ok, entonces lo que hizo fue que se atrevió.
- Claro. Hay que atreverse.
- Yo creo que Remy creía que él y también su hermano y los demás podían aprender a comer otra cosa que no fuera basura. Él no era rata que se conformaba con la basura.
- No, nunca se conformó. Nunca se conformó. El enseñó a su hermano a mezclar sabores. Todos los días se aprenden cosas.
- Qué le pasó al crítico culinario?
- A él le pasó que se acordó de cuando era niño, y de que antes era humilde. Cuando probó el plato, eso fue lo que le pasó.
- Pero la gente en el cine se rió mucho en ese momento, yo no entendi por qué...
- Sí me dí cuenta.
- Yo creo que fue un momento más bien dramático, pero el público se reía. Mira, y qué fue lo que más te gustó de esta película?
- A esta película yo le daría 9.
- ¿Nueve sobre diez?
- Sí, 9 sobre 10. Por la calidad de la imagen, del sonido, la trama y el mensaje que te deja, de que lo puedes hacer, atrévete, que lo puedes hacer.
Te enseña que puedes hacer grandes cosas.

(Conversando, Ginette y Gilberto de 12 años, después de una tarde de cine premium, un maratón de Los Simpsons a las 4 y Ratatouille a las 6,30. Ambas super recomendables y no se las pierdan)

Bee de Bandoneones

2007-06-22T20:18:00.000-04:00

EN 1993 TUVE UNA OBSESIÓN TEMPORAL con Golpes a mi puerta de Alejandro Saderman.

Este año 2007, de nuevo en la misma salita La Previsora, he vuelto a encontrarme con la sensibilidad de este cineasta argentino que tanto quiere a Venezuela. Hoy con una película encantadora -charming, mesmerizing- que no puede perderse nadie. Pero nadie especialmente en la nación latina, y nadie especialmente que tenga como oficio la música, y nadie, especialmente, que ame el tango. Nadie, nadie porque esta película es una ofrenda que respira hondo, como un fuelle inmenso, y llega directamente al alma. El último bandoneón (Alejandro Saderman, 2005).

Eramos muy pocos en esa salita y de esos pocos brotó un aplauso que no se pudo contener. "Una semana más va a estar porque la pidieron", se nos dijo al salir.

No escribía en este blog desde Bordadoras. Casualmente una historia sobre personas que saben con claridad meridiana su exacta pasión y vocación. Ahora, con El Último Bandoneón, diría que Saderman va bordando, con cadencia de tango, una historia de afortunados amantes de un arte, dedicados cultivadores del bandoneón.

Fue una vez por casualidad al alquilar un VHS de How to make an American quilt que conocí la palabra"bee". En ese caso, un grupo de mujeres muy diferentes unidas por una precisa e incontenible pasión: crear colchas artísticas, espectaculares y con un sentido de historia. Bee, que apenas significaba para mí abeja, miel, laboriosidad, color ámbar, se volvió también, grupo. Y de grupo, de devoción colectiva (que traspasa las fronteras argentinas) es que habla El Ultimo Bandoneón.

Si no, qué son esas almas gemelas que se reúnen cada sábado en un viejo galpón a tocar el tango, qué otra cosa une a una joven con un anciano, a un japonés con una Milonga. Devotos de un instrumento, adheridos a una atmósfera, que al juntarse no importa de dónde vienen o adónde van, ni edad, ni origen. Se entregan a su culto, encorvando su espalda y recibiéndolo en su regazo, al instrumento que llegó de Alemania a la Argentina y se unió para siempre con el tango.

Saderman el narrador emplea una edición traviesa, mágica y didáctica, permite que la cámara se finja amateur, cuando en realidad nos está mostrando en los ojos de Marina, la joven aprendiz, la intensidad de una pasión. Usa el documental que al mismo tiempo conmueve con la actuación de sus reales personajes. Sur y Caribe, como venezolana agradezco -no sin cierto triste sabor- el tributo que los protagonistas hacen al mencionar a mi país Venezuela como un lugar de oportunidades y brazos abiertos que los recibió, y hospedó una Peña Tanguera y recibió a un Gardel.

Conmovido e ilustrado, así se sale de esta película. Imperdible para la nación latina, que somos fusión, resultado, contraste. Imperdible, por supuesto, para los amantes del Tango.

Bordadoras

2007-05-08T22:55:00.000-04:00

Vi Bordadoras (Brodeuses - Éléonore Faucher, 2004) la semana pasada, la primera que veo del Festival Francés este año.

Hace un par de años cuando tenía más tiempo me hice un verdadero maratón: Les Triplettes de Belleville, El Empleo del Tiempo, La Turbulencia de los Sentidos,Vodka Limón, Los Coristas, Amor Eterno y todas se las recomiendo, especialmente Las Triplettes... si todavia no la han visto.

Ahora, sobre Bordadoras.

Bordadoras es una imagen. Como un cuadro en el museo, uno puede si quiere confeccionar una historia. Pero si quiere, digo; yo en realidad no quise porque me bastó con lo que ví. Especificamente con lo que vi al final, la exquisita imagen que cierra la película, un alucinante vestido bordado para el diseñador Lacroix.

Dos seres, Claire y la Sra. Mélikian, protagonizan esta peli, sentadas ante un bastidor y creando belleza ante nuestros ojos. Conectadas por una pasión precisa, definida e identificada: el arte de bordar.

Una chica embarazada de 17 años y una señora de 50 y tanto, almas gemelas en realidad, se encuentran como maestra y pupila para demostrar que son seres realmente privilegiados. En medio de su soledad y sus dolores, son especiales. No todo el mundo tiene su suerte: saber exactamente qué pasión las conecta con esta vida y de allí sacar la fuerza que las realimentará para resolver sus situaciones y desafíos. Una vocación que es más bien una pasión.

Con estas dos mujeres en primer plano y en claro foco, con el resto de los personajes más difusos e intermitentes, con un hijo que se pierde y otro que viene en gestación... Bordadoras es la celebración de una imagen que dice: la belleza, el arte y la creatividad permanecen.

Al menos, parecen de más largo aliento que tantos otros afanes que nos ocupan la vida.

Melody, un telerecuerdo

2007-03-24T20:53:00.000-04:00

Cuando pasaban Melody (Waris Hussein, 1971) por la tele por allá por los años 70 (y la pasaban bastante) y después cuando la veía en colores gracias a un casete beta que fue a parar
a la sala de la casa, ni idea tenía de quién era Alan Parker y ¿qué diablos me importaba?
Probablemente la chama que era entonces no reconocía ni muerta en su salón de clases que la hipnotizaban las canciones de los Bee Gees, Melody Fair y First of May y, sobre todo, la transgresión de la autoridad de aquellos dos chiquillos (o "preadolescentes") que se escapaban de clases a vagar por cementerios y viejos rieles y plazas y parques porque estaban enamorados y eran diferentes y para mí eso era todo y terminaba allí.

Milenios después, o sea hoy, no dudo que aquellas imágenes fueron más importantes de lo que sospechaba, y están en el "principio de todo". La cinta beta quedó olvidada o perdida pero Melody siguió siendo siempre uno de mis recuerdos favoritos de toda la vida. Después de décadas de vida "seria y responsable" llegué a Internet y con ella a los primeros indicios de que Melody tenía más fans en el planeta...

Esta noche por Youtube pude, después de tantos cambios de lentes para mis ojos hipermétropes, volver a ver las imágenes más queridas que guardo del cine transmitido por TV.

Si aquí hay fans de Melody, les dejo estos links: http://www.youtube.com/watch?v=KMpWpEBbKUQ y http://www.civilcinema.cl/critica.cgi?c=64

Detrás del vidrio

2007-02-25T13:46:00.000-04:00

¿"Pieza de museo" es un insulto? No en esta peli. Definitivamente no.

Verdaderamente entretenimiento nostálgico, recomendable para reír y conectar con recuerdos de infancia... De la misma pasta que Finding Neverland. Con un toque de Tierra de Gigantes.

No esperaba mucho pero me resultó really cool pensar qué le preguntaría yo a Teresa Carreño que fue una trotamundos por su arte/trabajo o Alejandro de Humboldt o Jimmy Angel o Cristóbal Colón, si los tuviera frente a mí preguntándome "¿Qué quieres saber?" Como la india Sacagawea en Una Noche en el Museo (Night at the Museum - Shawn Levy, 2006).

Hay algo de melancólico y algo de extraña fantasía en el Museo de Ciencias de mi ciudad. Pero bueno, supongo que ese caraqueño espacio donde pernoctan estáticos la avestruz y los petroglifos separados del visitante por un vidrio... No sería suficiente para saber cómo anda el resto de los museos de ciencias naturales en el mundo ¿o sí?

Que esta peli es un guiño a nosotros los pre-Internautas es evidente... Y también es obvio que pretende encender "aunque sea" 1 KB de curiosidad en la generación d.I. (después de Internet).

Dentro de su género de comedia familiar, con la excelente excusa de las peripecias de un vigilante nocturno (cheverísimo Ben Stiller) que no se da por vencido ante las extrañas cosas que suceden cada noche en el museo, la peli nos invita a considerar el pasado entre nuestras opciones de entretenimiento (no sólo de E-ntretenimiento).

Lo hace con afectuosa amabilidad, como la propia Sacagawea. Ese inmenso pasado que siempre, siempre podrá cobrar vida y potenciarnos la alegría de una tarde... simplemente contemplativa. Quizás, con suerte, por unas monedas.

El vía crucis de Will

2007-02-15T00:19:00.000-04:00

Si uno googlea En la Búsqueda de la Felicidad (The Pursuit of Happyness - Gabriele Muccino, 2006) no encuentra por ahora una foto de Will Smith corriendo.

Y de eso se trata la peli! Por eso la capturé directamente del trailer de Rotten Tomatoes, pues Will anda en eso, precisamente, pursuing, buscando, corriendo (la plata, el money, el sueño americano). Señores del marketing de esta película, el afiche era Will corriendo como Lola, que se los digo yo.

Bien buena, sí es. Will actúa con su hijo Jaden Smith y personalmente le compro el personaje, Chris Gardner, pues supo administrarle el drama (la película es inspirada en hechos reales) y conducirnos al momento culminante sin excesos- Bravo Will.

Si soy honesta, me tocó una fibra. Esa lucha de un hombre por descamarse y "transicionar", en su vida laboral; su no-quebranto al pujar para parir la próxima idea. Su anterior sueño... venció, expiró y se le volvió un pesado artefacto que, sin embargo, no puede soltar así nada más... Y, con fe, desesperación, riesgo, repara lo que está roto, para que le sirva de escalón.

Reflexionaba, viéndolo correr: ¿En qué momento exacto comienza uno a correr en la dirección nueva? ("A way to another side..." dice Chris cuando mira el fútbol desde el palco V.I.P.)

"With joy we greet you..." Señor, no te pido que muevas la montaña, ayúdame a escalarla...

P.D. Director italiano... Con razón ese guiñazo a "La Vida es Bella". Nice.

Risa para llevar, por favor

2007-02-12T22:47:00.000-04:00

Voy al cine con tanta frecuencia y qué poco frecuente es que me ría incontrolablemente. Es más, no recuerdo haber sentido a un público pasarla tan bien, desde hace mucho, mucho tiempo. Risoterapia intravenosa, durante y DESPUÉS de la función. Una dosis de felicidad.

Con tanta frecuencia va uno a ver películas de proporciones épicas, de producciones de cuello tan enorme como el de una orgullosa jirafa, películas tan perdidas en su altura, que incompresiblemente te dejan indiferente o simplemente te abruman con sus efectos, te aturden y para nada porque total su estruendo se disuelve y no neutralizan el retorno a la realidad, se pierden entre las escaleras y el estacionamiento.

Pero la risa... la risa honda, espontánea, incontrolable, eléctrica, no el producto elaborado o la consecuencia del análisis, esa risa básica, de la garganta y la nariz, energizante y rehumanizante, es un raro mineral, una rara joya.

No digo más, la historia inclusive no importa: lo que importa de Little Miss Sunshine (Johnathan Dayton y Valerie Faris - 2006) es que funciona en el cuerpo EXACTAMENTE como lo haría una batería nueva: te recarga con toda la energía que se te pueda inyectar, renueva y relaja, te coloca aunque no quieras en ese viaje involuntario sin retorno de la risa que no puede parar, no puede sino brotar y escapar, que busca un alivio y éste no llega porque cada risa es seguida por otra risa y así hasta uno entender que, el secreto es muy simple: es una película que se ríe de todos y de ella misma, se ríe con todos y con ella misma.

Cuánto tiempo hacía que no me reía así en el Cine. A fin de cuentas uno va para eso ¿no?

Babel: Sonido y silencio

2007-01-31T22:19:00.000-04:00

Empieza con sonidos. Sólo sonidos. Los del fuerte viento y de los pasos de una caminata, en el silencio de un desierto. Casi tres horas después, culmina en lo alto de un rascacielos, de una atestada metrópolis, en un ser humano que ha quedado desnudo de cuerpo y de alma. Así es Babel (Alejandro González Iñárritu, 2006). Experiencia de extremos.

Personajes expuestos al límite de sus fuerzas y al máximo de su resistencia. Víctimas del azar, de la arbitrariedad de la vida, de un segundo de irresponsabilidad propia o ajena, del abandono, de su miseria o, simplemente, víctimas de su silencio. Ese silencio persistente, inherente a la vida y a la naturaleza incluso, que se cuela entre la selva celular.

Fui a ver Babel 100% consciente de que me esperaba una exploración del dolor humano, otra vez, de cuerpo y alma (razón para no verla) pero estimulada por el desafío de un cineasta que sé que te pone tareas: interconectar historias, mover piezas y tiempos. Además sabía que, en medio de todo, habría suspenso (razón para ir a verla).

Pienso al salir, que me metí completamente en la vida de unos personajes de los cuales realmente no llegué a saber nada: ni qué hacen, ni a qué se dedican, ni por qué están allí, y pienso también, qué importa, seguramente fue a propósito y funcionó. Son universales, no importa su piel, es irrelevante su continente. Los une un disparo, los une la soledad, sus arrebatos, sus deficiencias (o discapacidades) para comunicarse, el silencio (por lo que callan o no pueden decir), la atroz falta de contacto. Los une la infinita suerte, también, de haber conocido la azarosa bondad de un completo extraño, en el momento preciso del miedo o de la muerte.

Razón para verla: seguramente arrasaré en la Red carpet season.

Me quedo

2007-01-16T18:43:00.000-04:00

Con la extra diversión de conocerme de memoria el soundtrack de La Princesa Massai (Die Weisse Massai - Hermine Huntgeburth, 2005) gracias mi hermana, me fui al encuentro de esta peli inspirada en hechos reales. Así pude por fin empalmar las imágenes creadas en mi cabeza con las imágenes verdaderas en pantalla! Cool.

Mi segunda entrada este año sobre África, Weisse Massai. Durante las primeras secuencias de bullicio, caos y ciudad en Kenia, mientras la protagonista averiguaba cómo emprender su inédito viaje a Barsaloi... Yo pensaba, cuánto nos vamos pareciendo, allá y aquí; las partes populosas de mi ciudad y esto que veo, cuán cerca en algunos puntos parecemos estar, aunque tengamos el océano de por medio.

Una historia sobre dos almas gemelas. Tan unidas, tan opuestas. Una suiza y un guerrero Samburu. Uno puede creer o no en la Reencarnación, uno puede decir más bien que cree en la conciencia y en la lúcida determinación... Como sea, a mí me intrigó -y creo que quizás es lo fascinante de ver y lo que uno recuerda más- la fase inicial de todo el asunto. La toma de la decisión (¿impulso? ¿clara conciencia?), en el preciso turning point de una puerta de salida... Me quedo. Ni pasado ni futuro: presente. Lo que sigue despúes, las aventuras y episodios, con sus penas y glorias, son el desarrollo, el camino, el despliegue. Lo más fascinante es el chispazo, el reconocimiento del camino y la acción de seguirlo, a ver qué pasa.

"Will you come back?" A Kenya, quién sabe. Pero volver atrás, imposible, nunca se puede realmente regresar. Es el intento, la identificación del momento, de tu lugar en el mundo y agarrar por ese camino como Carola, sin dudar. Cómo saldrá todo, ya se verá, pero "Cómo sé si no me arriesgo" Ni el fracaso ni la derrota son tales, si uno ha dado todo. Y creo que es el punto de esta historia.

Por otro lado, si yo fuera el Massai, sentiría mi mundo de cabeza (tan de cabeza como aparecen los turistas en la arena al comienzo de la película). Y en mi confusión, con mis expectativas sorprendidas, a lo mejor afloran mis miedos, los más básicos, mis inseguridades, ýa no sabría más cuándo ser pasivo o agresivo...

"Will you come back"? A Kenya, quién sabe. A Weisse Massai sí, me gustaría volverla a ver.

Sounds familiar

2007-01-10T21:56:00.000-04:00

Veo que estrenarán en los cines Hotel Rwanda! Me alegra.

Ya llevaba tiempísimo disponible en alquiler y copias piratas. Pero ahora vale un consejo si no la han visto: véanla. Otro consejo: Véanla junto con Sometimes in April. Ambas relatan exactamente el mismo momento, el mismo tema: el horror del genocidio de 1994. Terribles hechos, que sólo se nos hacen digeribles por intermedio del arte.
Por qué digo que es un combo recomendable: porque se complementan. Se cruzan, como siempre digo, las películas se tocan. En este caso, el dúo es imperdible.
Pero hay algo más. Al verlas me resultó palpable, fascinante y deprimente constatar que reconocí e identifiqué algunas situaciones específicas, como familiares, como tristemente conocidas. Azuzar el odio (una). Negarse, pasmarse y suponer que habrá un rescate (otra).
Es obvio que lo que ha sacudido a Venezuela durante ya casi una década (nos) ha marcado. Noto que se ha afinado algún mecanismo interno en mi mente de espectadora, particularmente "pilas" y sensible a las señales del odio atizado como alimento inflamable de un sistema de poder. Alerta y consciente de que pedazos de historias y dolores de unos y otros seres humanos se solapan, sin importar océanos o kilómetros.
Qué triste pero qué fascinante experiencia es conectar al instante con otro ser humano que también reacciona y se transforma como uno reacciona y se transforma. Con shock, negación, parálisis, lucha, aceptación, esperanza, dolor... Todo eso que forma la "guerra". Armada... o extenuantemente... psicológica.

House of D, con esta empiezo el 2007

2007-01-08T22:08:00.000-04:00

Perdida (botada) en una cartelera con residuos navideños, encontré Mi Mejor Amigo (House of D - David Duchovny, 2004). Enumero mis gratas sorpresas.
La primera fue Anton Yelchin, a quien no conocía pero acabo de buscar en IMDB y me entero que es ruso e hijo de patinadores artísticos; pues será por eso que supo deslizarse con tanta gracia y acierto en su bellísimo personaje de preadolescente en la Nueva York de los 70. La segunda fue Zelda Williams, a quien menos todavía conocía, pero que de inmediato me pareció dotada de un instinto y una soltura natural; pero imagínense, es hija de Robin Williams, quien también participa en la historia como "Pappass", un discapacitado, junto a una actriz que he visto poco pero me resulta interesante, Tea Leoni.
Una escena favorita, entre varios pequeños momentos favoritos: Anton Yelchin bailando con un poste a la luz de la luna, con las notas de "Melissa" provenientes de la celda de "Lady" (Erykah Badu). House of D es mi primera película del 2007 (el año pasado fue Millones). Cálida, así la describiría. Con una luz propia, nada que ver con los X-Files de Duchovny...

Escribir, arte y poder

2006-11-13T21:19:00.000-04:00

SIENDO DE CARACAS, las películas ambientadas en lugares como Los Andes tienen para mí un efecto balsámico, tranquilizador. Me calman, disparan una pausa reverencial entre mis angustias citadinas. Por esa propiedad terapéutica y antiestrés recomendaría La Ciudad de los Escribanos (José Velasco, 2005) pero la película tiene otros méritos.

Primero, es un tema histórico. Una peli sobre el pasado, 200 y más años hacia atrás, en un país donde este preciso instante ya está viejo, tiene su encanto. Que uno que ha ido a Narnia, La Tierra Media o Hogwarts, se deje transportar por el cine nacional hasta un punto perdido en la niebla de nuestra densa historia colonial... Que pueda visualizar algo de lo que había más atrás en el túnel del tiempo, antes de los más familiares héroes de la Independencia... ¿Una peli venezolana de misterio en las montañas, un seminario en medio de Los Andes en el Siglo XVIII? Sí, es algo así...

Segundo, Ver otra vez juntos a Gómez y Tarasona. Es decir, a Rafael Briceño (Fray Juan Ramos de Lora) , preservado por la magia del cine, y a Alfonso Urdaneta. En una trama de monjes, escribanos, intrigas, luchas de poder, conspiraciones, pasiones en torno a la construcción de un Seminario. El Seminario de San Buenaventura; la institución que es hoy es La Universidad de Los Andes. Visión de unas personas que nos antecedieron y no imaginábamos.

Película sencilla, valiosa; por apuntar al origen colonial de la ULA (no otro que la avidez de conocimientos, un ir y venir de lecturas prohibidas por la Santa Inquisición...). De actuaciones suaves, cuidadas (se agradece... no siempre ocurre).

Reconfortante recordar que no somos sólo esta cápsula de incoherencia presente, sino un continuum. Que tenemos raíces, mucho más profundas de lo que podemos ver, justo en este instante.

La Esquina Azul

2006-11-04T21:16:00.000-04:00

“Sentí un vacío en el alma cuando, bajando la San Juan Bosco, me di cuenta de que… lo único que quedaba del edificio de tres pisos era el esqueleto en remodelación.” (Adriana Villanueva, El Nacional, Nov 4, 2006)

Y YO, AL LEER ESTO, sentí un raro alivio: “Hay más”, me dije. Cuántos más hay. Cuántos allá afuera, entrecruzándonos en los laberintos del valle, sin conocernos. En las tardes que hierven, asistimos, espectadores, al funeral de VC Yamin… Vemos el cadáver de reojo y recordamos tal o cual película alquilada en la esquina azul.

Fui usuaria de VC Yamin desde los 90. Hoy sólo me quedan preguntas, ¿qué fue lo que realmente pasó? Y alguna queja por ahí guardada...

Ahora sólo daré las gracias: por todas, cuántas serían… Docenas de pelis… Do the right thing… Cries and Whispers… A House Divided… My Best Girl… Howards End… Notorious… Oriana… Fitzcarraldo… Fried Green Tomatoes… The Shawshank Redemption… Sister my Sister … Meet me in St. Louis… Paz a sus restos. Al que Adriana llama “El epicentro cinéfilo de Caracas”.

Ojalá Enero con su frío, nos llegue con esperanza… renacimientos… transformaciones…

De lado del Diablo

2006-10-29T00:47:00.000-04:00

CUANDO MERYL STREEP ríe para sí misma en la intimidad de su limosina, uno se ríe con ella de pura complicidad... Con su personaje de Miranda Pristley en El Diablo Viste a la Moda (The Devil Wears Prada- David Frankel, 2006).

Es una risa corta, orgánica en una villana que desde el comienzo sabemos es una arpía con corazón en el pecho (la pista está en una tristeza llorosa muy al fondo de su mirada). Esa risa funciona como un payoff. Es una risa enigmática, actoralmente completa: de satisfacción, cinismo, simpatía y hastío, el todo y las partes, como sólo Meryl, únicamente Meryl, sabe hacer. Fruto del dominio de su arte, relajado y capturado en un perfecto, estabilizado, volumen de voz ("That's all...")

Fue una decisión muy acertada, que por mi empedernida adoración a Meryl la atribuyo todita a ella: la decisión de NO darnos una Miranda estereotipada, una jefa histérica pegagritos.

La peli como tal no impresiona, lamentablemente tampoco la protagonista Betty la Fea. Pero entretiene, el look es elegante, la Moda al fin y al cabo es un mundo que atrae e intriga, oimos hablar del azul cerúleo y la verdad verdadera es que a todas las mujeres nos gusta ver trapos. De cualquier modo éste es un caso claro, clarísimo donde una película sobrevive porque la actriz veterana (el diablo) toma la decisión creativa correcta.

Qué tienen en común El Método con The Devil Wears Prada... La crítica al ambiente laboral moderno que se traga a todo aquél que se asoma a su fascinante abismo. Al inmenso costo del ascenso profesional. En ambas flotan los conflictos, dilemas morales, tensiones, actitudes y poses, sacrificios, corazas, negociaciones, relativismos... que sufre el aspirante a exitoso (y glamoroso), en su angustia por llegar "a la cima".

Ni Cruela era exactamente Devil ni Betty era tan Fea para empezar. Meryl lo vuelve a demostrar: que jamás irrespetará a su público actuando en piloto automático. Es obvio que a sus 50 y déle sigue divirtiéndose al crear personajes. Amada y odiada, es Meryl. Y logra que uno se ponga de parte del diablo.

Vale la pena: 60% (100% para fans de M. Streep) - Velocidad: 60 Km/h - Fortune Cookie: No te creas superior.

El Método

2006-10-24T21:59:00.000-04:00

HE NOTADO EN EL CINE EUROPEO que ha llegado a Venezuela a través del Euroscopio y otras muestras recientes, que la "carrera ejecutiva" y, específicamente, el doble filo de la vida corporativa, son puestos en el banquillo.

Hace un año vi El Empleo del Tiempo, donde un ejecutivo a quien han despedido prefiere ocultar el "terrible" hecho a su familia y montar una farsa mientras recorre como un fantasma la atmósfera de fríos grises, negros y azules de un mundo que ya no le pertenece.

En otra peli francesa que no me gustó mucho (Violence des échanges en milieu tempéré) el ejecutivo protagonista es un novato que va abandonando su candidez y sus escrúpulos para entregarse de lleno a un cruel lema, "Work hard, play hard".

Es al menos llamativo ese cine preocupado por un individuo que se desdibuja a sí mismo en su lucha descarnada por lo que considera el éxito.

Mucho mejor que las anteriores, en mi opinión, es la española El Método (Marcelo Piñeyro, 2005) actualmente en la cartelera del Festival de Cine Español. Es la escenificación de un despiadado método de selección de personal denominado El Metodo Grönholm. Es suspenso y es drama, sólidamente actuado, refleja fielmente el ambiente físico y psicológico del "mundo ejecutivo" actual, con el telón de fondo de la economía global tantas veces criticada por "inhumana" (bandera por cierto astutamente desvirtuada por más de un hipócrita en el mundo).
La peli es un guiño para todos los que ya han visto el "monstruo corporativo" por dentro o anhelan hacer una carrera en sus entrañas... Y también para los fans del Gran Hermano.

Debe ser toda una experiencia ver El Método en una clase de negocios o de un MBA, para sentir y medir la reacción in vivo ... Intriguing.

Interesante actuación de Najwa Nimri, a quien no conocía. Vale la pena en El Método concentrarse en capturar los microgestos de los rostros, pues es allí precisamente donde hierven -contenidos- los secretos y pavores de cada uno de estos 7 ejecutivos aspirantes a un alto puesto de Director.

Vale la pena: 100% - Velocidad: 60 Km/h - Del mismo saco: El Cubo; El Experimento - Fortune cookie: Estás a tiempo - Brainstorm: Sushi - Del Séptimo Arte: Guión.

La Vida Secreta de las Palabras

2006-10-18T21:13:00.000-04:00

Las películas se tocan entre ellas, pasa muchas veces. Viendo La Vida secreta de las palabras (The secret life of words, 2005) recordé al traficante de armas de Lord of War, quien hace un mal chiste sobre las guerras de los balcanes, y recordé a Armenia, el país de Vodka Limón, el mismo donde hubo un holocausto previo al judío, del cual nadie se acuerda, y por entre los telones, recordé a El Paciente Inglés.

Para quienes aprecian el género drama y se arriesgan a hacer otro viaje por el alma humana de la mano de Isabel Coixet, y presenciar la metamorfosis de una mirada muerta en una mirada viva, está en cartelera una magnífica experiencia llamada La Vida Secreta de las Palabras. Si se quiere, un viaje al revés de Mi Vida sin Mí.

Como los mejillones que se dan en la plataforma petrolera, el amor entendido como profundo contacto, salvación y resurrección, como un milagro que retoña en lo árido.

Como la vida, que se abre paso a pesar de ser golpeada millones de veces por las olas…

Vale la pena: 100% si les gusta el drama - Velocidad: 40 Km/h - Del mismo saco: K-Pax, Sophie’s choice - Fortune cookie: Hoy sólo quieres que te dejen en paz - Brainstorm: Oil rig, faro, isla, cicatriz, petróleo - Del Séptimo Arte: Actuación - Lupa: Una franela dice “Pto. Cabello - Venezuela” - Resuena: “Un día, no hoy, no mañana, algún día de pronto, puedo llorar tanto que todo se inundará y te arrastraré conmigo.”

Hoy ando de frases

2006-10-14T22:18:00.000-04:00

Qué suerte he tenido últimamente: sólo buenas películas. Aquí van, las recomiendo toditas. Las ordené de buenísima a buena. Véanlas, hay de todo.

La ventana de enfrente (La Finestra di fronte, 2004): ¿Cómo se ve tu vida desde la casa de enfrente? No conocía a la gemela italiana de Jodie Foster/Moira Kelly.

Vuelo 93 (United 93, 2006) : Te mete en los zapatos del horror verdadero.

Chica de mostrador (Shopgirl, 2005): Un Steve Martin que no conocía ni sospechaba.

Cosas que hacen que la vida valga la pena (2004): Te pone a hacer tu lista de cosas que hacen que la vida valga la pena

Machuca (2004): La vida no es leche condensada.

Un hombre peligroso (Lord of war, 2006) : Nicolas Cage actúa… ¿o ya no necesita actuar? Anyway, a very good movie.

Las últimas vacaciones (Last holiday, 2006): Que tus posibilidades se hagan realidad.

La casa de los sustos (Monster House, 2006): ¿Cuál juguete perdido recuperarías si pudieras?

Miranda (2006): Venganza en la clase de historia: Vacílate al prócer sin pedestal.

Gente Libra

2006-10-07T00:58:00.000-04:00

¿Quién más nació este mes? Octubre 1967: Julia Roberts. O sea que Julia y yo somos tan antiguas como El Graduado, Bonnie and Clyde, Belle De Jour, To Sir, With Love, Wait Until Dark y Doctor Dolittle, todos estrenos de 1967.

He traído algunas estrellas del vasto firmamento del celuloide que nacieron en octubre. Y recomiendo algunas buenas películas de esta gente Libra… Aquí van.

Lillian Gish, The Birth of a Nation: Un clásico sobre la guerra de secesión de EE.UU, con la controversial defensa del Ku-Klux-Klan que hace su director Griffith y la famosa escena del asesinato de Lincoln.

También llegaron al mundo en Octubre Bela Lugosi, el Conde Drácula, y y Julie Andrews La Novicia Rebelde, (quién no recuerda The Sound of Music...).

El catalán Néstor Almendros, el director de fotografía favorito de Meryl Streep: la iluminó con su lente en Kramer Vs. Kramer, Heartburn y Sophie’s choice

Sigourney Weaver, mejor conocida por Allien y un montón de pelis más, para mí inolvidable por su Gorillas in the Mist.

Los esposos Susan Sarandon y Tim Robbins. En Octubre los dos. Tim dirigió a su Susan y a Sean Penn en Dead Man Walking, una imperdible de Susan así como la pequeña gema que acabo de ver en vacaciones, Elizabethtown. Thelma & Louise, eterna favorita, y Noel, una emotiva peli de Navidad. . De Tim, hay que ver como mínimo Jacob's Ladder, The Shawshank Redemption y Mystic River, pequeña muestra de su larga trayectoria.

Otros libranos: Richard Dreyfuss, el piloto fantasma de Always, una historia de amor a lo Ghost. Jeff Goldblum, (perfecto en La Mosca y de paso menciono una más reciente, The Life Aquatic with Steve Zissou, que dividió a los críticos). Kevin Kline, otro señor actor (The Big Chill, Sophie’s choice, Life as a House, etc. etc.).

Catherine Deneuve: Me encantó con Bjork en Dancer in the Dark y como la salvadora de un deportista soviético en Est-Ouest.

De Winona Ryder, también librana: Little Women, The House of the Spirits, , How to make an American Quilt y The Age of Innocence.

Matt Damon me cae bien, somos compañeros de signo: Good Will Hunting.

¡Kate Winslet! Definitivamente una favorita. Increíble madurez personal y artística de una joven actriz. Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Iris, The Life of David Gale y Finding Neverland… Y Titanic, por supuesto.

Una obra latinoamericana muy especial que aborda la jubilación y el amor en la tercera edad: Lugares Comunes de Adolfo Aristarain (librano).

Hablando de gente que nació en Octubre, si todavía no han visto Millions, con Danny Boyle, ¡es el momento de alquilarla! Y también Dreamer, con Elisabeth Shue. Walk the line, sobre el cantante Johnny Cash, es toda una experiencia musical, una historia verdadera sobre el poder curativo del amor y la voluntad.

Si les gustan las historias de amor eterno, vean The Notebook, protagonizada por (la librana) Rachel McAdams, quien también participa en una excelente comedia, Wedding Crashers. En cuanto a Chevy Chase, véanlo en Orange County, agradable comedia protagonizada por el hijo de Tom Hanks.

Dos bien buenas para terminar. V for Vendetta, con Stephen Rea como el inspector y Closer, con… Julia Roberts.

Desacelerar...

2006-07-08T21:40:00.000-04:00

¿Cuánto retrocedería el tiempo si desaparece súbitamente una autopista interestatal? (Digamos… ¿De un día para otro? De zopetón, sin autopista, sin viaductos, habría que transitar las rutas de los antepasados: caminos y carreteras viejas, curvas, abismos, espantos, verde lluvioso y tierra seca, lentitud.)

Habría que DESACELERAR. DESACELERAR.

Me dispuse a pasar un rato de comedia Disney-Pixar. De una vertiginosa pista de carreras, que es donde comienza Cars (John Lasseter, 2006) fui a parar a Route 66… “It winds from Chicago to L.A., more than two thousand miles all the way… Get your kicks on Route Sixty-Six…”

Y lo más curioso: Cars luce carrocería de comedia, pero su verdadero yo es un drama. A los más chiquitos les extrañará su ritmo: arranca veloz, agarra una larga pausa y sólo retoma su energía hacia el final.

Rayo McQueen es el protagonista de esta película donde hasta los insectos son carros. Radiator Springs es un pueblo fantasma olvidado por el tráfico incesante de la autopista. Allí tiene lugar la experiencia vital que cambiará “el rumbo” de un carro arrogante obsesionado por su carrera, éxito, imagen y fama.

Cars es una historia que anhela“un antaño mejor”. Una visión romántica de pueblitos donde nunca pasa nada y adonde los que se fueron a la gran ciudad regresan para reflexionar y replantear su vida. Como película familiar, incluye anécdotas de lealtad, gratitud, amistad, consideración hacia los mayores, respeto a la experiencia, etc. Interesante que sean precisamente unos automóviles animados (en la vida real símbolos poderosos de -valga la redundancia- PODER) quienes relaten esos valores.

Encontramos en Cars algo de "¿Qué hemos perdido/sacrificado por el progreso…?" Y también algo de Meg Ryan aferrándose a un “pasado” más “humano” en Tienes un E-Mail, mientras el pez grande se come al chico. (En Cars, vean a Rally, la Porshe 2002, una estresada abogada de Los Ángeles que decidió “cambiar de vida” mudándose a Radiator Springs para montar un hotel llamado El Cono Acogedor…).

Divertida y recomendable pero creo que larga y sin suficientes bromas visuales para niños muy-muy pequeños. Del soundtrack destacan Life Is a Highway (Rascal Flatts), Our Town (James Taylor) y Find Yourself (Brad Paisley). Cuando comienzan los créditos finales entra una secuencia muy especial. Cars está dedicada a Joe Ranft, escritor y codirector, fallecido en un accidente de tránsito el año pasado.

ALTAMENTE RECOMENDADO: El corto que precede a Cars. Se llama Hombre Orquesta (One Man Band - Mark Andrews y Andrew Jiménez, 2005) y juro que hubo más carcajadas durante el corto que en toda la película.

Octavitas de El Código

2006-07-01T23:48:00.000-04:00

He visto un par de películas después de El Código Da Vinci que me devuelven a su elenco.

Son dos pequeñas: 1) Orange County (2002, Jake Kasdan) una comedia sobre un recién graduado que quiere ir a Stanford y 2) Wimbledon (Richard Loncraine, 2004), una comedia romántica sobre un jugador de tenis profesional, protagonizada por Kirsten Dunst y Paul Bettany (el siniestro monje que se daba latigazos en El Código…).

Para alguien que no sabe absolutamente nada de tenis (como yo) Wimbledon me dejó sonriendo. Me hizo entrar en la mente de un jugador de 31 años, vivir el momento de conflicto entre su destreza y su confianza y sufrir con él la presión por ganar. Las escenas de juego parecen bien hechas y emocionantes (dentro de lo que cabe... es TENIS). En cuanto a Orange County, básicamente uno se recrea con las apariciones fugaces de un casting de lujo en una historia sobre el momento crucial de escoger carrera: Kevin Kline, Chevy Chase, Lily Tomlin (fabulosa en una de las escenas excluidas), Catherine O'Hara, John Lithgow, Ben Stiller, Harold Ramis, Jane Adams, Garry Marshall y Mike White (guionista). Ignoraba que los chicos protagonistas eran hijos de famosos y me pasé toda la película preguntándome "pero ¿dónde he visto yo a esta gente?" Después supe que Colin Hanks es hijo de Tom Hanks y Schuyler Fisk es hija de Sissy Spacek. El director es también un veinteañero, hijo del director (papá) Lawrence Kasdan. El rol más divertido fue el de Jack Black.

Aunque lo parece bastante, Orange County no es otra comedia de teens americana. Wimbledon no sobresale en su género pero tiene estilo y le pone una cara amable al tenis y al torturado villano de El Código Da Vinci. Participa Sam Neil y está dedicada a Mark McCormack, fundador de IMG y pionero del marketing de deportistas.

Entretenimiento light que hace sonreír, para una tarde sin mucha acción.

El Código Espuma

2006-06-24T22:59:00.000-04:00

(¿Qué se hizo el gentío? Bajó la marea y quedó la sala vacía. Sala tranquilita, un mes después del estreno mundial.)

Amelie. Claro. Cómo no lo pensé antes. Audrey Tautou está en El Código Da Vinci (The Da Vinci Code – Ron Howard, 2006) por una razón. ¿Qué era lo que hacía Amelie? El bien.

El Código Da Vinci es una película de misterio absorbente y entretenida. No comparo con la novela de Brown porque no la he leído y porque creo que cuando libro y película van juntos al cine, tienen derecho a vidas separadas. No podría decir que las “revelaciones” sobre la religión católica perturbaron mi mundo por cuanto esta historia del código es ficción y entretenimiento. (Pero la próxima vez que vaya a un museo me llevaré una lupa: quizás descubra en algún cuadro la idea millonaria sobre el best-seller que cambiará mi vida.)

Obviamente, una historia que plantea que Jesús no fue tan divine sobre la tierra, atrae controversia (y taquilla). Apenas viéndola me pregunté, ¿cuántos furibundos habrá allá afuera refutando el fundamento histórico, la provocación sacrílega y la calidad (literaria/cinematográfica) de la obra? Pero al mismo tiempo, la película debe ser un banquete para los amantes de las teorías de conspiraciones y componendas y cúpulas de poderosos villanos que se reúnen y se las arreglan para torcer el destino de masas inocentes.

Es una película provocadora y estimula la curiosidad. Hay desde quienes se la toman en serio hasta los que simplemente la desprecian como una novela de Ovnis.

A mi yo espectador le dio un placer ENORME el uso de los fundidos, fade-in y fade-out para los segmentos históricos. El efecto es vívido, arrollador. Esa superposición visual pasado-presente fue absolutamente MÁGICA, de una belleza a lo K-Pax y El Mundo de Sofía. Especialmente en los momentos iniciales con el Prof. Langdon, especialista en simbología.

Y otra discreta, pequeña sorpresa para mí tuvo que ver con el dúo dinámico Hanks- Tautou. Mis reservas se disiparon. Aparte de que entendí qué hacía realmente Amelie en el Código Da Vinci, encontré creíble a esta pareja dispareja, después de todo. Ambos actores se manejaron de forma sobria y convincente.

Buen entretenimiento. Provocación.

Euroscopio: La Otra Cara de Septiembre

2006-06-17T11:50:00.000-04:00

El 11 de Septiembre de 2001 no encontraba por ninguna parte mi tarjeta de débito. Ese mismo día ocurrió OTRA catástrofe.

La noción es chocante: pero es cierta. El dolor y la impotencia nos invadieron. Pero la vida siguió, ese día y el siguiente. Y los años siguientes. Todo siguió: la vida de todos los días, nuestros “problemas” y melodramas particulares… Todo, todo siguió. (Mi tarjeta… La había dejado en un Subway dos días antes).

¿Qué cambió en la gente común del planeta desde los atentados terroristas del 9/11? Algo de eso cuenta La Otra Cara de Septiembre (September - Max Färberböck, 2003).

(Acá en mi país pasamos estos últimos años mirándonos el ombligo, básicamente viendo otros derrumbamientos de lo que creíamos sólido. Pero ése es otro tema.)

La película es alemana sobre alemanes. Con temas “exportables”. Un personaje de la peli, corredor de bolsa dice algo como: “Yo todos los días hablaba con personas allá, todos los días. Y de un momento a otro… BUM. Nada. Polvo. Nada.” Se lo dice a Julia, su esposa, el personaje que captó absolutamente mi atención. Con su angustia subterránea atrapada en una sonrisa (desesperada) hecha para apaciguar (aunque no sé qué ni a quién). Ese completo desconcierto suyo. Jamás sabremos qué había en su mente antes, durante y después que esos aviones llegaron a Nueva York. Pero ella, mucho menos: “No sé qué está pasando…”.

El 9/11 esparció sus ondas de confusión, indefensión, crispación y desconfianza: agotó el asombro. Ante las llamas = pavor y silencio frente a la TV. Y después, la excavación de temores dormidos. Afloró el miedo irracional. Se revolvió el caldo de las tensiones raciales e ideológicas, se agrió la convivencia. Fue un perfecto reminder de que todo es frágil, somos vulnerables y no controlamos nada. Y peor: que ya no sabemos cómo entender el mundo.

Como en otras “películas de la ciudad” (Crash, En La Ciudad, Short Cuts…) September sobrevuela el campo minado de las relaciones humanas, el fantasma de la intolerancia, la soledad en la multitud, el abandono emocional, el estrés, la violencia doméstica... Una película sobre gente que puede ser tu vecino. La urbe alemana, su lado íntimo con el 9/11 como telón de fondo.

Pero lo sombrío se transforma en luz de cine. En September, la confección es personaje. La veo como un pariente de Crash; es de ritmos. No es oscura, aunque su tema lo sea. Tiene ese tejido invisible que apenas conecta “historias” (¿o son simples fotos tomadas entre apuro y apuro?). Y un director que se maneja bien entre el ritmo y la captación de gestos claves en los rostros. La edición es personaje y el sonido también (con esos aviones siempre cruzando el cielo). Sin continuidad, sin resolución exacta (es la ciudad). De pronto, el director mete un video musical. Todo son miradas rápidas de calle (en la vida real detenemos nuestros ojos más tiempo en pantallas que en los ojos de otros). Absorbemos telecatástrofes y nos quedan preguntas nadando en círculos.

September termina siendo un espejo de una cierta vida urbana que conocemos/intuimos. Total qué nos queda, ¿derrumbarnos también o intentar vivir esta vida frágil de una mejor manera?

P.D. Dato curioso, al googlear September, prácticamente nada sustancial en inglés o español. En imdb sólo 50 personas han votado esta película.

Otras películas (no las he visto): The Hamburg Cell, Why We Fight?, 11'09''01, Barán, Fahrenheit 9/11, United 93 y World Trade Center.

El cine tiene sus ángeles...

2006-06-14T23:59:00.000-04:00

Vivo en una ciudad de lugares frágiles y elogios arriesgados.

Pero esta tarde presencié un gesto a la Cinema Paradiso que captó mi atención. Y hay que reseñarlo, sí señor.

Ocurrió en el Cine La Previsora (saben esa pequeña sala cerca de Plaza Venezuela que tantas buenas películas ofrece todos los días). Esta sala de cine es una sobreviviente: pero una que da la batalla con dignidad y ojalá que no se canse de persistir (¡no no no se cansen por favor!), ante tanto Goliat, ante el olvido, ante tanto viento que lo borra todo, esta pantalla es agua en el desierto, solaz en el corazón de una vibrante (y autodestructiva) capital del Caribe. Mi ciudad: Caracas.

Sala de cine, lugar de arte… en medio de tanta nada.

(Llego yo hoy haciendo peripecias con el horario para cuadrar el Euroscopio justo en la mitad del medio de mi tortuosa y elástica jornada laboral -que no tiene horario ni fecha en el calendario y a veces empieza de noche y termina de día- y llego, decía, a función de 2 pm, para ver Septiembre… A las 2 en La Previsora hacen descuento, pero hoy no había NADIE. Yo: más nadie. Le pregunto al muchacho de la taquilla si habrá función… Pone cara de duda, pero la señora que pica los tickets a la entrada dice un rotundo SÍ. "Véndele la entrada". Díganme ustedes si eso no se llama sentido del deber y respeto por el público. Ahí mismito llamaron al que proyecta la película y se prendieron las luces, todo se empezó a preparar ¡sólo para mí! Menos mal que en unos minutos llegaron 2 ó 3 personas más, sino me hubiera sentido como Mia Farrow en La Rosa Púrpura del Cairo, sólo que me hubiera tocado a mí meterme en la pantalla para no ser la única espectadora.

Gracias a los ángeles del cine por los favores concedidos.
Y mañana les cuento de Septiembre, tercera película alemana que veo en este Euroscopio 2006.

Euroscopio: El Noveno Día

2006-06-09T00:21:00.000-04:00

Hoy comienza el Mundial de Fútbol: Alemania será esta tarde la capital terrícola del deporte y aquí estamos, viendo más cine alemán.

Disfrutada la hora de la risa, con El Juego de Zucker, volvemos a la realidad, a la historia. A ese pasado reciente que martilla y martilla y martilla con el recuerdo de Hitler y la WWII. Esta vez, El Noveno Día (Der Neunte Tag - Volker Schlöndorff, 2004).

Si vieron The Downfall, reconocerán aquí al actor Ulrich Matthes. En The Downfall era Goebbels, el Ministro de Propaganda del régimen nazi; ahora es un sacerdote católico de Luxemburgo, Abbé Henri Kremer, prisionero del campo de concentración de Dachau, a quien los nazis pretenden utilizar para que la Iglesia apoye oficialmente al régimen del Führer.

Según entiendo, la película es una ficción inspirada en el diario de prisión de un cura de carne y hueso, Jean Bernard. La actuación de Matthes es convincente, enigmática, bien estudiada; particularmente durante la transición del prisionero que retorna al hogar, momentos en los cuales lo vemos profunda e irreversiblemente traumatizado por las torturas de los campos nazis.
He encontrado esta cita atribuida al director de la película: “Es muy importante para todos los europeos que los nazis por fin hablen alemán y no inglés y que las imágenes de los nazis malos, al igual que las de los alemanes buenos, no lleguen solamente del extranjero, sino que sean también producidas en Alemania".

Me parece a mí que las películas sobre estos oscuros años son como un poliedro, un animal de infinitas escamas: cada nueva película es una cara, un aspecto, un subtema más que no conocíamos. Cuántas pelis se han visto ya sobre los indescriptibles tormentos y exterminio de judíos y polacos, y cuando creíamos haberlo visto todo, otra vez volvemos a espantarnos y a apretar los ojos para no mirar.

Esta historia nos lleva a esa zona donde se escoge entre salvar el pellejo (el propio, el de la familia y los amigos) o sacrificarse, inmolarse quizás, para sentar un ejemplo histórico. El cura de El Noveno Día en este sentido se vincula de algún modo con la monja Ana, de la película Golpes a mi Puerta (Alejandro Saderman, 1994), un personaje que llevo desde hace muchos años en mi alma y en mi corazón.

Euroscopio: El Juego de Zucker

2006-06-06T18:51:00.000-04:00

Alemania está de moda en estos días y mi Euroscopio empezó este año con Alemania.

No sé otros, pero cuando yo me he topado con películas alemanas o sobre Alemania, casi siempre han sido dramas, unos light, otros densos, pelis de lo sórdido o del suspenso, y la mayoría sobre esa imagen sobrecogedora y triste que dejan en el alma producciones inolvidables como La Decisión de Sophie, El Pianista o Schindler’s List.

Claro que no he visto tantas pelis alemanas como quisiera. De las recientes me han gustado: Corre Lola Corre, El Experimento, Nirgendwo in Afrika, The Downfall, El Milagro de Berna, Joyeux Noel; de los ‘80 Fitzcarraldo con su tono operático y selvático, una bellísima experiencia (véanla por favor). Recuerdo también haberme impresionado con Margarethe von Trotta y El Matrimonio de María Braun, haberme trasnochado en el cable con Faraway, So Close! y viajar al cine silente con Metrópolis.
A finales del siglo XX, me sumé al furor planetario por Buena Vista Social Club, sobre Cuba y su agridulce burbuja del tiempo.
En Adiós Lenin! el humor se cuela entre las peripecias de Alex para ocultarle a su madre que cayó el Muro de Berlín y el sistema que ella tanto admiraba se esfumó como el gas… de una Coca Cola.

Ahora acabo de ver El Juego de Zucker (Alles auf Zucker! - Dani Levy, 2004) una comedia alemana. Yo diría en un 50%, y como las buenas comedias, el otro 50% es drama disfrazado de comedia. No de grandes y ruidosas carcajadas (aunque escuché al público pasándola muy bien), pero quienes disfrutan de enredos familiares con una que otra referencia política, y les interesaría ver el humor al interior de una familia judía, y encima les gusta el pool, véanla pues pasarán un buen rato.

(Saben cuando uno va a una parte y están contando chistes y uno participa pero al mismo tiempo siente que se están diciendo otras cosas entre ellos, private jokes, guiños, piquetes, puntas, cositas que sólo entienden los aludidos? Es más o menos la experiencia con Zucker.)

Me parece buenísimo que una nación que pasó por una separación con un absurdo muro y luego ha vivido una larga y penosa reunificación, se retrate en el cine y se ría de sí misma. Eso es sano y requiere madurez. Los alemanes seguramente disfrutarán a Zucker cien veces más que yo, simple observadora desde otras tierras, que me conecto con su aspecto universal sobre las relaciones familiares y… el interesante, inagotable, fascinante tema del perdón.

Sospecha en la Villa I

2006-06-03T21:20:00.000-04:00

Que exista una "Villa del Cine" es mejor a que no exista una villa del cine… supongo.

Como espectadora no puedo lamentar que se creen espacios relacionados con una industria del cine en Venezuela, pero “conociendo mi ganado”, tampoco me apresuro a celebrar.

Como audiencia tengo el derecho de sospechar. Siempre. Sospecho del director, de los personajes, del guión, sospecho de la luz y de la sombra.

Puedo sospechar que otra buena idea nacida de un anhelo de plantear "que el Sur también existe", puede estar naciendo teñida de monkey business. Sospecho y seguiré sospechando ¿Por qué no? Sospechar es parte del placer del cine.

Sospecharé mientras no vea que por nuestra Cineville pasan todos los que aman el cine en este país: TODOS. Sin excluir ni filtrar. Yo quiero ver a todo el elenco, no sólo a la porción complaciente.

Sospecharé mientras no vea que los temas que habitarán las películas de factura venezolana lanzadas por la villa son TODOS o CUALQUIERA de los temas y no una selección marcada por la urgencia político-práctica de reescribir la historia.

Si el lente que mirará a Venezuela, y a Venezuela como parte del "Sur", se mantiene cristalino y permite trabajar, con ficción o sin ella, lo que realísticamente somos los venezolanos y latinos en el Siglo XXI, sin prejuicios, sin vergüenza, sin falsas culpas, entonces habrá algún motivo para celebrar. Mientras tanto…

Sospecha en la Villa II

2006-06-03T21:09:00.000-04:00

Habrá que esperar a ver.

La inauguración de la Villa del Cine arroja dudas, con sus visuales de "Luz, cámara y revolución", el rojo infaltable de camisas y franelas, la pedidera de real al líder que distribuye churupos, la siempre conveniente descarga a Hollywood como la madre de todos los vicios, el "olvido" de algunos nombres, la adulancia, etc. )

Hay que esperar a ver si la Villa va a ser la casa del talento, el entretenimiento, la inteligencia, la diversidad y la calidad o, por el contrario, una sombrilla que albergará el sermoneo ideológico, el simple cine por encargo y, peor... el aburrimiento.

Que la iniciativa sea del Estado no debería excluir formas de financiamiento inteligentes y distintas al mero subsidio estatal. Tampoco debería apartar a quienes por décadas han contribuido a formar un público cinéfilo en Venezuela:
El circuito que organiza festivales de cine del mundo y fomenta el conocimiento sobre el cine; empresarios (y no le temo a la palabra) que han traído tecnología y modernidad; cineastas nuevos de mente abierta que no se autolimitan en su visión de creación artística y mercadeo (otra palabra a la que tampoco temo) en el mundo actual ni se ponen barandas en la cabeza ni se atan a ideologías.

Cine, cine y más cine en sus nuevos envases y empaques, receptáculos y canales, estilos, lenguajes, géneros: cine impredecible y valiente que no le tema absolutamente a nada.
El día que eso pase, y ojalá que pase, la villa se pondría interesante y será momento de celebrar.

Península (mágica) de sal

2006-05-19T23:59:00.000-04:00

Si pudiera enviar un e-mail a Margot Benacerraf le diría que su Araya sigue, intacta, esparciendo su magia.

O si no por qué, mientras la veía, se me metió en la cabeza que un día alguien como Johnny Depp o Antonio Banderas hará una aventura filmada en el mar Caribe y Araya, entre destellantes pirámides blancas, como intrépidos ladrones de sal de la época en que el Rey de España mandó a construir una fortaleza para proteger su lucrativa salina de los corsarios, porque la sal era tan preciosa como el oro.

Alguien como Penélope Cruz, Leonor Watling o Natascha McElhone algún día hará de Carmen, una escultora famosa que vuela a Araya desde Madrid o Nueva York, y se reencuentra de golpe con la lejana península donde nació. Como una nueva Oriana, revisitará el desierto de sol, mar y sal donde una vez fue una niña que recogía caracoles y visitaba el cementerio con su abuela, la alfarera de múcuras, para llevar caracoles a los muertos porque, en ese desierto de sal, las flores son imposibles.

Algún día, alguien como Orlando Bloom o Joaquin Phoenix, romperá su cerrado destino de salinero o pescador, pescador o salinero, y desafiará las barreras invisibles que lo separan del mundo: el cerco de la pequeña aldea de casitas de sal, donde nunca pasa nada, nada crece, nada cambia...

Ese día, se encontrará el ojo poético de Margot con la mirada del(la) director(a) de una nueva gran película filmada en la mina de sal.

Araya (Margot Benacerraf, 1959), es el documental que le valió a la venezolana Margot Benacerraf un premio en Cannes. Un trabajo impecable de observación y testimonio de 24 horas en la vida de los salineros de la península de Araya. Narrada por José Ignacio Cabrujas, es una historia que puede contener muchas historias, y estimula la imaginación por su poesía, su música, su detalle y la sincronía de recursos que, con razón, la hacen perdurar.

Visto desde el Mar

2006-05-06T23:35:00.000-04:00

Uno puede ver Tocar y Luchar desde el mar.
Alejarnos como si hubiéramos resuelto partir y, una vez en lo hondo, mar afuera, regresar. Detenerse, después de haber fijado la vista en el destino, en la punta azul claro de la embarcación, de haberse despedido de todo, de todos, después de ver el barco progresar por un azul y el siguiente. Abortar la partida, mirar atrás, volver a mirar la costa: regresar. En ese minuto, ver la orilla de la tierra que atribula, verla desde el mar, como si fuera una primera vez, con expectativa de viajero, curiosidad de aventurero, fe de creyente.

Así es como recomiendo ver Tocar y Luchar.
Un documental sobre la red de orquestas nacionales y juveniles de Venezuela que no es biografía, no es sólo tributo, y tampoco luce como propaganda.

Es alegría y celebración. No hay mucho que decir, sólo ir y vivir la experiencia. Tiene ritmo, silencios, solos, coros, poesía, testimonios en otras lenguas que aseguran estar viendo el futuro de la música clásica aquí, en Venezuela.(Descubridores, llegaron por mar… Visionarios, llegan por aire…)

El realizador logró una hazaña hoy, en este país: SINTETIZAR, UNIR, CONECTAR. Su narración tiene la inteligencia y la justicia de incorporar imágenes de archivo que comprueban(03) décadas de trabajo con orquestas, detrás de lo que hoy se ve en el multiplex.

Su ojo fotográfico se usa para bien. Para adorar a un contrabajo, para contrastar la espiritualidad de un arco y un violín contra los laberintos gris y naranja ladrillo de la ciudad; para estampar trompetas contra un ocaso de playa, mezclar el amarillo mostaza de una iglesia de pueblo caluroso, con la danza (literalmente) de una orquesta venezolana en otro continente; para recolectar rostros, de muchos orígenes y legados, que llevan la música como compañera y como salvación.

Los niños y jóvenes son narradores naturales. Cuando comenté Munich en este blog, hablé del documental Promises, un bellísimo experimento cinematográfico que se hizo con niños palestinos e israelíes. Algo de esto hay en Tocar y Luchar. Algo que nos hace devolver el tiempo y recordar perfectamente de qué habla ese niño cuando dice, desde su cuarto, que “él no puede dormir lejos de su chelo”.

Fue un honor ver esta película.

P.D. Agreguémosla a la colección: Les Choristes, Music of the Heart, Mr. Holland's Opus, Brassed Off, Juntos (He ni zai yi qi), Billy Elliot, Paradise Road.
Mira qué dijeron Sumito Estévez y Eli Bravo

Cómplice de butaca

2006-04-28T18:51:00.000-04:00

Con El Hijo Perdido (Betty Fisher et autres histories - Claude Miller, 2001) veo una vez más cuán lejos estoy dispuesta a seguir a un director que me propone una trama exagerada y vulnerable, pero a cambio ofrece actuaciones con relieve y buen estímulo temático para seguir pensando mientras regreso a casa.

Es Betty… una exploración y una provocación sobre el tema del maltrato infantil y la maternidad. Es un drama que, secuestro de por medio, funciona también como thriller. Se puede palpar la inmensidad del dolor de una escritora que pierde trágicamente a su hijo (cuando ella misma arrastra profundas heridas de maltrato) y se puede seguir la cadena de hechos que, por ironía de la vida, (quien te destruye te salva), desencadena su propia madre (quien padece un extraño trastorno) al secuestrar a un niño para “reponer” el hijo perdido.

¿De qué manera el dolor y la pérdida disuelven el raciocinio, el marco “moral” y las reacciones “normales”? (¿Y cómo un cineasta sabe cosechar nuestro favor por un personaje cuando técnicamente está incurso en delito?) Todos los adultos de esta película son al extremo egoístas y absortos en sí mismos. No queda entonces sino apoyar a la víctima.

Uno de los temas más chocantes para cualquier audiencia es el de la madre “no maternal", personajes que se alejan de la simpatía del público, como Michelle Pfeiffer en White Oleander o Mary Tyler Moore en Ordinary People. Y ahora habría que agregar a esta señora Nicole García… quien sin ton ni son ataca a la pequeña Betty con una tijera y le deja una cicatriz en la mano -y el alma- que por contraste, la convierte en una Betty adulta dispuesta a todo por (un) hijo.

P.D. Hollywood nos ha regalado madres de espíritu libre, no monstruosas, en películas más LIGHT: Tumbleweeds (Janet McTeer) Anywhere but here (Susan Sarandon) y Mi mamá es una sirena (Cher)…

Calor en la nieve

2006-04-23T23:30:00.000-04:00

La Marcha de los Pinguinos (La Marche de l'empereur - Luc Jacques, 2005, Oscar 2006 Mejor Documental) fue 100% noticia para mí porque rara vez veo Discovery Channel y nunca me había tropezado con un pingüino emperador en toda mi vida. Ahora me uno al coro mundial que aclama la película y repito: Vayan a verla, en el cine preferiblemente, para que puedan abarcar todos los tonos de azul y blanco posibles y, en general, se queden atónitos con tanta belleza natural. Impresionante el ejército de pinguinos que “protagonizan” la “historia”, documentados (con acucioso detalle) por una cámara que examina -paso a paso- su jornada anual de apareamiento y cría. La verdad es que nunca se me hubiera ocurrido que una escena de “amor” en la Antártida podía ser tan “humana” y llena de significado (milagros del cine y del soundtrack, supongo). En todo caso, no pude evitar pensar a estos pinguinos en términos “humanos” y atribuirles una admirable resistencia, cooperación conyugal, espíritu de equipo y abnegación, incluso heroísmo.

Bastante menos gélida (por el clima digo), es Feliz Navidad (Joyeux Noël, Christian Carion – 2005) y se resume como: Europa. Guerra, lenguas que confluyen, conflicto y ensoñación. Un tributo a unos hechos reales de la Primera Guerra Mundial (cuando ocurrió una tregua espontánea la noche de Navidad, entre unas trincheras de franceses, alemanes e ingleses). Ahora un detalle: Si vieron Goodbye Lenin! notarán en Feliz Navidad algo un poco fuera de lugar: un oficial alemán, supuestamente duro e insensible, tiene unos ojos demasiado bondadosos y una barba que no engaña a nadie: es Daniel Brühl… Pista muy importante pues nos indica que por un rato todo consistirá en embellecer para nosotros una cruda realidad. Los enemigos se harán amigos y jugarán una partida de fútbol. Hasta que (lamentablemente), no se pueda posponer más la realidad.
Feliz Navidad es poética y entretenida, y una interesante reflexión acerca del “instinto” (tan vibrante en los pinguinos del párrafo anterior) o más bien el impulso de fraternizar en lugar de pelear.
Pelear cansa.

Termina en dance

2006-04-02T18:28:00.000-04:00

Hoy, extremely light.
Sólo porque me trajo recuerdos de adolescencia, tiempos cuando para ser un(a) adolescente que se respetara había que saber de todo lo que terminara en dance -Dirty Dance, Flashdance, Breakdance, etc.- o tuviera que ver con baile coreografiado -Roller Boogie, Footloose, Fame, etc. etc.- (qué me falta, ¿Grease? No, eso es otra cosa. Grease es Grease).

Pero bueno, si como yo conservan fragmentos dance en su disco duro mental, chequeen Espera al último baile (Save the Last Dance - Thomas Carter, 2001). Adivinen qué. Una chica talentosa quiere estudiar ballet pero algo se lo impide. Menos mal, porque así se pasa la película ensayando pasos de hip-hop, mientras disfrutamos del soundtrack y vemos cómo la aceptan en Julliard tras una audición donde mezcla ballet y hip-hop que termina por derretir al Jurado. Nada nuevo, pero es entretenida, inteligente, bien producida (MTV) y coreografiada (Fatima Robinson). Por momentos se aparta del típico drama romántico de bachillerato. En la trama romántica dejaron colar el tema racial, y se puede decir que lo hacen decentemente, sin explotarlo. Nuestra heroína es blanca y poco a poco va haciéndose un espacio dentro de la cultura negra urbana que la rodea.

La chica es la actriz Julia Stiles y se nota que “se fajó” pues en un muy alto porcentaje evitó el uso de dobles. También trabajó fuerte Sean Patrick Thomas, y ambos hacen una pareja juvenil interesante. Valoro cuando los actores nos obsequian talentos adicionales, como recientemente hicieron Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon en Walk the Line. A veces son pequeños regalos inesperados, como Andie McDowel cantando Sittin' By the Side of the Road en “Michael”, Adam Samdler con I feel pretty en “Anger Management” o Meryl Streep bailando en “Dancing at Lughnasa”, por ejemplo.

Save the Last Dance no tendrá el impacto ni la adrenalina de todas las terminadas en “dance” de mi adolescencia, pero tampoco está mal. Ofrece más de lo que aparenta.

“Un corazón mexicano… No te hace uno de los nuestros”

2006-03-23T21:59:00.000-04:00

¡Y cómo resultó de polémico el Oscar a Alto Impacto como mejor película! (Crash - Paul Haggis, 2004). Era mi favorita pero en reviews y podcasts he visto cómo dividió radicalmente a la gente en dos polos ("Brokeback Vs. Crash") que con los días se han vuelto prácticamente irreconciliables.

El título de mi entrada pertenece a un diálogo de la película Deuda de Sangre (Blood Work, Clint Eastwood, 2002) y lo cito porque me hizo pensar que Crash, con sus “acideces” raciales, a pesar de todo como que tiene algo de razón.

Comento este pequeño thriller Blood Work, de Eastwood, por razones muy personales (algo de su historia resuena en una relativamente reciente experiencia personal). No es tanto que sea descollante en su género o desbordante de suspenso, pero es lo suficientemente entretenida como para pasar un buen rato tras la pista de un psicópata que le deja mensajitos en cada escena del crimen a su archirrival veterano del FBI.

Tiene un buen ensamble donde participa el propio Clint Eastwood (aunque no me gustó su actuación aquí), Jeff Daniels, Angelica Huston y dos actores latinos, Wanda De Jesús y Paúl Rodríguez. Interesante el material extra del DVD titulado “Conversación en Español” con una entrevista donde De Jesús y Rodríguez hablan de las tendencias de las actuaciones latinas en el Hollywood de hoy.

(Un thriller con el mismo tema del transplante de corazón, pero mucho mejor que Blood Work, es 21 Gramos y está más abajo en mi lista de “deprimentes imperdibles”).

Oscar... Tonto y querido ritual

2006-03-04T12:36:00.000-04:00

Vale la pena definitivamente ver Alto Impacto (Crash - Paul Haggis, 2004). El tema de la xenofobia y la tensa convivencia de razas y nacionalidades, en una película urbana, de relaciones humanas fragmentadas y distantes, violencia, necesidad de contacto, arbitrariedad de la vida y de la muerte y -esta es la mejor parte y mi razón para ver Crash- las vueltas que da la vida (nunca digas de esta agua no beberé).

Es un drama, pero tiene su escena del crimen y su milagro de Navidad (¡nieve en Los Angeles!). De algún modo recuerda a Haz lo Correcto (Do the right thing - Spike Lee, 1989) (frase que incluso se deja colar a través de uno de los personajes). Una magnífica película, básicamente de guión y montaje, con microhistorias que conforman un ensamble de actores y personajes, negros, blancos, latinos, asiáticos, que coliden, se impactan, se afectan.

También me gustó John & June, Pasión y Locura (Walk the Line - James Mangold, 2005), una historia de amor basada sobre la vida del cantante Johnny Cash. Muy merecida la nominación de Mejor Actor de Joaquin Phoenix y una grata sorpresa, Reese Witherspoon desenvuelta y convincente como intérprete musical. Según entiendo, ambos actores realmente cantan y tocan los instrumentos en la película: guitarra y arpa cítara. Realmente disfruté esta película que se remonta a la música de los 50 y 60, a lo Elvis. Muestras musicales aquí.

El Secreto de la Montaña (Brokeback Mountain - Ang Lee, 2005), mantuvo todo mi interés el primer tercio de la película: la naturaleza imponente que determina el aislamiento, la soledad, la parquedad (bien retratado por el actor Heath Ledger) es de algún modo la lógica que permite a estos dos vaqueros iniciar una relación que durará 20 años. Según se plantea, una historia de amor verdadero, pero prohibido, negado. La fotografía y las actuaciones son claves en esta primera parte y la música está bien dosificada. Más allá de ese primer tramo, no logró mantener mi atención, salvo por escenas puntuales, donde destaca una interesante interpretación de Alma, la esposa de uno de los vaqueros. Al final ya estaba francamente distraída en otros pensamientos.
Sin embargo, dicen que se llevará el gran Oscar. Veremos.

Dark Movies: Deprimentes imperdibles

2006-02-27T22:01:00.000-04:00

La Caída (De Untergang, 2004) es una película deprimente.
Sin embargo, no me arrepiento de haberla visto pues es una recreación de los hechos y la atmósfera de los últimos días en el búnker de Hitler, su suicidio y el de sus incondicionales. Suficiente estímulo informativo para ver un testimonio fundamental que nadie, nadie se debería perder.

Actuación impecable de Bruno Ganz. Su caracterización es completa, desmonta la imagen del invencible y presenta un hombre vencido, amargado, paranoico, tembloroso, que alucina, sorberbio pero patético, que inspira asombro por su absoluto desvarío, inspira repudio por el desprecio abierto con el cual se expresaba de su propio pueblo, e inspira desconcierto pues algunos sectores de la humanidad, a estas alturas, a veces parecieran ignorar la lección.

De verdad la recomiendo. No es entretenimiento. Me dejó con dolor de cabeza, pero reafirmada en mi convicción de que el cine es un medio poderoso y disponible para exorcizar demonios.

Hay películas que son horribles. Nunca las recomiendas cuando te preguntan, porque no son divertidas y quién es uno para arruinarle la velada a otro con una peli que, por muy buena que sea, es mucho más que triste o aterradora. Pero la verdad es: hay excelentes películas, que son absolutamente deprimentes. Una vez de visita por el Museo de Madame Tussaud, en Londres, vi a un Hitler de cera custodiando la entrada de la cámara dedicada a la maldad, la tortura, la muerte y el horror. Igualito que Dr. Jekyll y Mr. Hyde, el cine es tanto luz como oscuridad.

Bien, esta es mi lista de películas deprimentes. Es una lista para ir al lado oscuro, tenebroso, de la vida, que lamentablemente existe y a veces toca visitar. Esa mazmorra donde mantenemos presos los temores y recuerdos más dolorosos: The Life of David Gale, House of Sand and Fog, La Flaqueza del Bolchevique, Elephant, The Hours, Open Water, We don’t live here anymore, La habitación del hijo, Ordinary People, Dancer in the Dark, 21 gramos, En el Nombre de Dios, Monster, Kadosh, L' Emploi du Temps, Mystic River, The Woodman, The Shining, El Regreso, Dolores Clairbone, El Silencio de los Inocentes, Amores perros, The Passion of the Christ. Safe.

Munich + Promesas

2006-02-19T23:44:00.000-04:00

Mientras veía Munich (Steven Spielberg, 2005), un drama/thriller sobre la Masacre terrorista de las Olimpíadas de 1972, en Alemania, recordé el documental Promesas (Promises, Carlos Bolado, B.Z. Goldberg, 2001), una de las experiencias cinematográficas que más me conmovieron en los últimos dos o tres años.

Aunque completamente distintas, las une el tema del conflicto árabe-israelí y la manera como gritan al espectador cuán devastador es para el alma humana el odio aprendido que separa a los pueblos.

Véanlas en combo, Munich y Promises, y si como yo no están familiarizados con los ángulos históricos, religiosos, culturales y etc. del conflicto árabe-israelí, al menos después de ver este par de buenas películas, contarán con una buena idea de lo que pasa a nivel humano, en la piel de quienes los viven día a día. En Promises, lo harán a través de un grupo de niños/jóvenes judíos y palestinos que entran en contacto gracias a un experimento cinematográfico que diría resultó exitoso.

Munich me pareció una obra bien tejida, narrada con la calma suficiente y un pulso de veterano: aunque no me conecté emocionalmente al mismo nivel que lo hice con Promises, pienso que Munich tiene una narración absorbente y plantea reflexiones sobre las emociones viscerales que genera la guerra de este siglo: el terrorismo.

El personaje Golda Meir, breve, contundente, preciso, llamó especialmente mi atención. Con respecto a la recreación de los hechos, me pareció una decisión interesante que fragmentaran el relato crudo de la masacre (ésta no se presenta de una sola vez al principio, por ejemplo, sino que se esparce y reitera a lo largo de la película), porque de esa manera sirve como recordatorio de la motivación honda (sed de venganza, ¿sed de justicia?) que mueve a estos cinco elegidos para la operación Cólera de Dios.

Vayan a verla y conviene leer un poco sobre los hechos reales antes, para captarla mejor. Y después, vean Promises, que les va a gustar.

Italian for beginners: Entrándole al Dogma 95

2006-02-05T18:07:00.000-04:00

La ví en tres partes, digamos que un fin de semana algo complicado me impidió sentarme a verla de una sola vez: pero en cada sesión, sin darme cuenta me iba dejando atrapar por el encanto discreto de esta película danesa. Y en cada sesión me sonreía sin darme cuenta.

Italiano para Principiantes (Italiensk For Begyndere, 2000 - Lone Scherfig) es una comedia romántica, diferente en su género pero igual en su intención de entretener, diferente porque fue creada con el estilo del Dogma 95, igual porque incluye un final feliz, casi perfecto, que de alguna manera nos inspira y protege temporalmente de la tristeza. Sus protagonistas no son glamorosos o millonarios que viajan a París o a Nueva York a jurar amor eterno: son seres normales y corrientes, tímidos, torpes, rutinarios, malgeniosos, solitarios, todos en búsqueda de un romance.

Las películas filmadas de acuerdo al Dogma 95 “deben ser filmadas en escenarios naturales evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales.” He visto dos películas de uno de los fundadores del Dogma, Lars Von Trier, Dogville y Dancer in the Dark, las cuales en su momento me produjeron gran impacto y curiosidad. Pero la primera “certificada” que veo es Italian for Beginners, y puedo decir que mi curiosidad aumenta.

Definitivamente, la recomiendo a quienes busquen algo ameno y diferente: es una película donde “no pasa nada” pero refleja la vida, y es grato acompañar a estos 9 personajes transitar por su soledad cotidiana en una urbe de Europa y su búsqueda de contacto humano, amor y emoción, con románticas escenas en Italia incluidas. Inevitablemente conmovedora.

Cine gratis: In Her Shoes

2006-02-01T21:51:00.000-04:00

Qué maravilla eso de entrar al cine pagando con puntos en lugar de cash. Esta vez lo hice con En sus zapatos (In her shoes, 2005 – Curtis Hanson) y resulta que me interesó más de lo que esperaba. Creía que iba a ver una comedia, que probablemente sería buena (¿si no qué hacía ahí Toni Colette?) y que igual me iba a gustar porque no niego que disfruto los “chick-flicks” ("películas para mujeres").

In her shoes tiene elementos característicos: dos hermanas, una bella, otra fea, una frívola, otra responsable, junto a una abuela sabia que se encargará de darles una que otra lección. Ahora bien, lo divertido es que estos clichés iniciales son sólo una forma de invitar, A QUIEN PUEDA INTERESAR, a transitar un rato por los pliegues de una no muy fácil historia familiar. Y para mayor colorido, se consigue uno con elementos adicionales que también aportan su encanto, como un amable restaurancito jamaiquino y, especialmente, unos señores de la tercera edad que son retratados con mucha sensibilidad y sentido del humor.

El rompecabezas de la familia se va completando, eventualmente se revelan secretos que explican los roles y actitudes de estas dos hermanas, y resulta grato explorarlos. In her shoes es básicamente un drama, pero eso no lo quita sus carcajadas. Es una película reposada, cada personaje tiene su momento y deberá o querrá calzarse los zapatos de otro, temporalmente, para madurar y evolucionar. Habla de transformación personal y liberación de telarañas y cargas así como de roles autoimpuestos desde la infancia.

De alguna manera al final de las dos horas y pico que dura, uno siente que efectivamente se quita un peso de encima, como es evidente que le sucede a sus personajes. Excelente Toni Colette (como siempre) Cameron Díaz trabaja bien a su personaje y qué decir de Shirley McLaine, una veterana que sabe muy bien cómo administrar serenamente a esta abuela a quien la vida le regala una segunda y crucial oportunidad.

(Un momento especial de la película tiene que ver con el poema de Elizabeth Bishop "One Art" y en este link pueden escucharlo.)

Sunny Movies: Millones y El Jardín de la Alegría

2006-01-29T14:22:00.000-04:00

De mi colección de películas soleadas (“feel-good movies”), les recomiendo dos, inglesas: Millones (Millions, 2004 - Danny Boyle), la primera que vi este año en el cine, y El Jardín de la Alegría (Saving Grace, 2000 - Nigel Cole) que acabo de ver en DVD.

Millions tiene que ver con la suerte inesperada, el dinero y lo que haríamos con él, y nos muestra una generosidad muy rara, en estado puro. Saving Grace nos habla de la mala suerte inesperada y los retos impensables que la vida nos tiene guardados. Si disfrutan de películas muy sencillas, de bajo impacto, armadas suavemente para deleitar el espíritu con colores, magia y actuaciones de básico calor humano, estas dos son una buena elección.

En Millones mi favorito es este niño que encuentra una bolsa llena de libras esterlinas pocos días antes de la llegada del Euro y debe decidir qué hacer con todo ese dinero. Disfruté especialmente su mundo real-mágico-maravilloso donde dialoga con los santos que tanto admira. En El Jardín de la Alegría, me gustó Mathew, el personaje del escocés Craig Ferguson, y su relación muy peculiar con la viuda protagonista. Sus escenas en la playa cuando ella prueba por primera vez la marihuana que pronto comenzará a cultivar en su jardín con tal de no perder su casa y la escena en el laboratorio-invernadero cuando ambos prueban la instalación eléctrica son pequeñas cuentas de colores para nuestro inventario de momentos felices. Por no hablar de cuando la viuda intenta captar algunos “clientes” en las calles de Londres.

Si les gustan pequeñas películas para sonreír, ahí les dejo estas dos.

Nuestras catástrofes

2006-01-14T20:11:00.000-04:00

El colapso de un viaducto monumental, la erupción de todos los ríos del Ávila arrasando la costa del Litoral, Caracas con sus secuestros express o su día maldito de saqueos y muerte. El 27 de Febrero de 1989.

Material no nos falta para estremecer las butacas de los grandes multiplex. Además de un fuerte cine independiente, debería haber un Venewood que lanzara varias docenas de títulos al año y así se superproducirían no una, sino muchas películas basadas en hechos reales, visto que los noticieros venezolanos a veces parecen sci-fi, horror, aventura o comedia o todo a la vez.

Me fui a ver El Caracazo (Román Chalbaud, 2005). Todo porque sigo ilusamente tras la pista de una explicación sobre lo que está pasando en este país. (Mentira. También fui por puro vicio del cine. Porque vi Secuestro Express, porque vi Oriana, porque vi Una Casa con Vista al Mar, porque ví etc. etc. etc. porque voy a ver El Don y porque el cine nacional es tan, pero taaaaaan esporádico… )

Como ya conocía el punto de vista político de Chalbaud, el nivel de sorpresa fue cero. Cartas sobre la mesa: no sorprende su versión del 27-F de 1989, ni la terminología del elenco (“No es un saqueo, es una confiscación popular” según el personaje de Fernando Carrillo...). Total, es su película, y él puede abrirla con el nombre de Hugo Chávez y si quiere, cerrarla con el discurso de un personaje-testaferro que, como ya terminamos de verificar al final, no es cualquier oficial del Ejército… ES Hugo Chávez.

Lo que no entiendo es, si yo viví el 27-F, ¿por qué esta película no me conmovió?

Quizás, porque aunque es obvio el esfuerzo de producción y coordinación, me molestó su sermoneo constante y sus diálogos por momentos tan artificiales. En el cine del centro donde la ví, la gente reaccionó más a los interludios de comedia (como el del policía el frente al abasto, “Ya va, señores. ya va, el saqueo es en orden”), que a la historia personal y –supuestamente- densa e interesante de los personajes. Increíble, pero funcionó mejor como comedia. Al punto que aún en escenas dramáticas la gente continuaba riendo.

Pero la peli, Chavez-friendly y todo, tiene sus momentos. La historia en el refugio de indigentes tuvo su encanto. Y una imagen en El Caracazo que me quedó resonando… La actriz Francis Rueda, perdido el juicio por sus nietos quemados en el rancho, resalta con su personaje de mujer indigente y feroz, que deambula por una Caracas en ruinas. Una figura sucia, apestosa, absurda, que grita su dolor abriéndose el pecho y mirando directo a los ojos de un oficial del Ejército, reclamándole. (El mismo oficial diseñado por los creadores para que se nos parezca a alguien… el buen soldado con lado humano… que prometió nunca más reprimir militarmente al pueblo…). Esa comunicación no verbal entre Indigente y Militar, esos microsegundos de silenciosa parsimonia entre ambos, llamaron mi atención.

La verdad es que Caracas y el horror del 27-F son una gran oportunidad cinematográfica. ¿Cuántas historias nos podría contar la voz de un desaparecido? ¿Qué vio ese día el Ávila, ese testigo vegetal que todo lo ha visto? El cine ofrece tantas posibilidades.

Una doctora dice en El Caracazo que su hospital se parece al hospital de Lo que el viento se llevó… Decirlo es una cosa y transmitirlo con todos los sentidos que da el cine, otra. Que uno SIENTA que Caracas escarnecida por gritos y cadáveres en 1989 ES la Atlanta escarnecida por gritos y cadáveres de la guerra en Gone with the wind… era una buena idea. Pero creo que ese viaje en el tiempo alucinatorio del cine no se dio.

Yo sí, confieso que una mañana cualquiera, harta y medio dormida, he soñado con eliminar de una vez por todas las nefastas busetas de Caracas… Pero a punta de transporte inteligente, digno y moderno, no de candela y cabilla, y la verdad si alguna vez me dan un papel en una película, que no sea de “héroe popular” de El Caracazo porque no quisiera aburrir a la audiencia con tantos clichés de odio contra conductores y “poderosos”.

Por cierto, el público es cruel. Una chica (tendría ella unos 10 años cuando el 27-F), al salir de El Caracazo le dijo decepcionada a un amigo:
“¿Sabes qué? Yo me la imaginaba más fea”.

Noche de paz… En Guerra

2005-12-18T19:50:00.000-04:00

LA MEJOR ESCENA DE LAS CASI 4 HORAS de Gods and Generals (Ronald F. Maxwell, 2003) es muy sencilla: dos soldados enemigos cruzan el río que los separa, intercambian un cigarrillo y una bebida y durante largos segundos se miran a los ojos.
Es Navidad. Se escucha “Silent Night”.

De esa escena no tengo foto de Google, IMDB o site oficial. Pero sigue siendo, para mí, la más llena de significado.

Gods and Generals es una portentosa y minuciosa recreación cinematográfica de las primeras batallas de la Guerra de Secesión estadounidense. Es extensa e intensa, no da tregua al espectador, presenta las batallas con un realismo al mismo tiempo agotador, fascinante, arrebatador visualmente. Literalmente, la imagen de la guerra. Forma parte de una trilogía que espero ver completa algún día. Del soundtrack les recomiendo “Going Home” de Mary Fahl que se puede escuchar en .mp3 y .ram en la Web.

En aquellos tiempos de guerra fue cuando Teresa Carreño se fue de Venezuela rumbo a Filadelfia, por allá por 1862. Teresita, quien desde los 8 años se volvió una megaestrella y conquistó a los "yanquis" con su talento de niña prodigio.

Sobre esta época se puede ver también Regreso a Cold Mountain (Anthony Minghella, 2003). (Buena cinematografía y romance, es la historia de Ada Monroe (Nicole Kidman) quien espera tortuosamente a su Inman (Jude Law), un soldado confederado señalado por una trágica premonición).
Con el trasfondo de la guerra civil tampoco puede faltar Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind – Victor Fleming, 1939). (La historia de Scarlett O'Hara, protagonista de la novela de Margaret Mitchell filmada en Technicolor y transformada por Hollywood en entretenimiento puro en medio de uno de los capítulos más trágicos de la historia). Por cierto que Lo que el viento se llevó se estrenó en Caracas en el Cine Ávila el 12 de Septiembre de 1940.
Si realmente el tema los engancha, está el hito del cine mudo El Nacimiento de una Nación (The Birth of a Nation - Griffith, 1915) que, entre otras cosas, presenta heroicamente el terrorismo del Ku-Klux Klan y una famosa escena del asesinato de Lincoln.

Películas amadas, odiadas y controversiales, nunca ignoradas. Entre las tantas que se pueden ver sobre la Guerra de Secesión.

Me gusta pensar que Teresa Carreño fue un bálsamo de espiritualidad en aquellos tiempos de aquella oscura guerra entre hermanos.
Nuestra megaestrella venezolana, Teresita, quien brilló en el Norte del Norte y tocó para Abraham Lincoln en la Casa Blanca.

Gracias: Pieces of April

2005-11-24T22:40:00.000-04:00

CUANDO LA ALQUILÉ HACE COMO UN MES, quedé con la impresión de haberme topado con un pequeño tesoro.

Los segundos y minutos después de una película valen más que mil palabras. La expresión en tu cara, el efecto en tu ánimo o las imágenes atraídas a tu mente, son los indicadores espontáneos que mejor hablan de una película. Pieces of April me hizo sentir bien y ojalá les guste tanto como a mí.

Es una película sobre el Día de Acción de Gracias y un buen ejemplo de cómo se puede narrar una historia de forma sencilla, económica, a partir de algo aparentemente simple: hornear un pavo (que es como decir el pernil de fin de año en Venezuela) cuando repentinamente se te daña el horno...

Filmada con cámara digital y abierta a la improvisación, la película se pasea por el reencuentro entre madre e hija, el significado de preparar una comida, el perdón, la solidaridad y la ayuda inesperada. Pero lo más importante: la valoración del momento presente y la confección de los recuerdos que nos acompañarán en el futuro.

Su creador/director dice: “La vida es frágil… La vida está pasando en este momento.” Quizás por ser esta película un tributo a su madre y estar inspirada en sentimientos reales pudo marcar una gran diferencia.

GRACIAS -dondequiera que estén- a Peter Hedges, Director; a las actrices Katie Holmes y Patricia Clarkson y a las canciones de Stephin Merritt. A todos por entregar un obsequio directo desde el corazón.

El miedo llegó por avión

2005-11-20T15:31:00.000-04:00

No sé que haría yo si en medio de un vuelo trasatlántico veo que una mujer con un ataque de nervios altera el orden público asegurando que su hija se le ha perdido dentro del avión. Realmente no lo sé. Pero como no estaba en un avión sino en la butaca del cine, me pareció muy llamativa la reacción de ese “pueblo chiquito” (infierno grande) representado en los pasajeros de Plan de Vuelo (Flightplan, 2005).

Vi una “sociedad en pequeño” agudamente recelosa, escéptica, distante, incluso cruel (“ni que se le hubiera perdido la Palm Pilot”), ante una situación que (en un pasado más inocente) hubiera despertado algún gesto de mínimo acercamiento humano.

Plan de Vuelo es una película de terror-en-el-avión a la cual se agregan elementos de película de duelo, pues la protagonista viene de sufrir una trágica pérdida familiar. Su dolor y confusión fijan el clima inicial y están muy bien descritos en el rostro absolutamente devastado de Jodie Foster y en un nebuloso juego de imágenes nocturnas entre fantasía y realidad, que transcurren misteriosamente entre una estación de tren, calles y edificios solitarios, una morgue y un aeropuerto.

Pero, si miras con cuidado, a lo mejor lo más elocuente y sonoro de esta película es el silencio de los pasajeros…

La Mujer Infiel

2005-11-13T13:26:00.000-04:00

Ayer pasaron por Eurochannel La Mujer Infiel (La Femme infidèle, 1969) y la ví pues es el antecedente de Infidelidad (Unfaithful, 2002), en la cual hay algo que no he podido olvidar: Diane Lane regresando en tren a casa después de serle infiel a su marido en la ciudad. Jamás olvidaré esa secuencia diseñada para mostrar la completa confusión de esta mujer, a punto de explotar por la confusión y la culpa, y un momento interpretativo estelar logrado por esta actriz, riendo y llorando mientras corre el flashback de lo que pasó en el apartamento del amante. Realmente el director Adrian Lyne logró conmigo que no corriera a juzgar automáticamente al personaje de Diane. Como recuerdo también que no me gustó tanto el final edulcorado, acentuado por Richard Gere.

Ahora que vi La Mujer Infiel, les recomiendo ver las dos para que comparen. Se llevan más de 30 años. A mi me pareció bastante mejor la original, del director francés Claude Chabrol, y en este caso quien llamó mi atención fue el marido, su personaje Charles absolutamente 100% en control todo el tiempo mientras uno sabe que está viviendo un infierno por dentro. Elegancia y silencio bien administrado. Toda la escena pre y post crimen resulta bien tensa, así como la tortuosa eliminación del cadáver.

Por supuesto, ninguna de las dos películas es precisamente para levantar el ánimo… El tema es oscuro, perturbador y desagradable. Y en ambas está intacta la pregunta:
“¿Por qué?”

Nueva Orleans y La Llave Maestra

2005-11-03T21:14:00.000-04:00

Me gustó esta película de suspenso, ambientada en Nueva Orleans y sus pantanosos alrededores. La Llave Maestra (The Skeleton Key, 2005) abre todas las puertas de una plantación del viejo y profundo sur de Estados Unidos, zona que presta su atmósfera misteriosa y su pasado de amos y esclavos a un relato de superstición y magia hoodoo.

Muy buena actuación de Kate Hudson, quien me pareció precisa y sobria en un personaje comprometido e idealista de una enfermera que en parte por vocación, en parte por motivos personales, se dedica a cuidar a personas mayores. (Para otra cara de Hudson, vean sus comedias “Educando a Helen” o “Casi Famosos”).

La peli es eficaz, con el toque hollywoodense de rigor, vale la pena. El guión es de Ehren Kruger (El Aro). Vivir, envejecer, morir, dejar este mundo… ¿Sin más huella que una caja con objetos personales con tu nombre? ¿Qué secretos esconde esta mansión Felicite Plantation construida en 1847, entre Baton Rouge y New Orleans, en la ribera del Río Mississippi?

Y a propósito de películas filmadas en New Orleans, Amazon e IMDB me ayudaron a recordar: The Client (1994), Dead Man Walking (1995), Los Cuatro Fantásticos (2005), La Mansión Embrujada (2003), Entrevista con el Vampiro (1994), Tribunal en Fuga (2003), Un Tranvía llamado Deseo (1951), El Informe Pelícano (1993), etc.

“Como los robles centenarios que bordean nuestras calles, Nueva Orleans se dobla, pero no se rompe.”

Neworleansonline informa sobre la ciudad post-huracán: “Los daños que nos dejó Katrina se están reparando más rápido de lo esperado. Todos los días abre un restaurante, y los negocios y los museos reciben a sus patrocinadores. La ciudad está optimista: Vamos a reconstruir Nueva Orleáns como una ciudad más fuerte y mejor.”

Planta 4a

2005-11-01T21:16:00.000-04:00

En la comedia, uno se ríe de la idea de la muerte (el jueves veía el trailer de Elizabethtown, un solemne entierro y la urna comienza a descender al hoyo cuando de repente aquella urna se sacude y se desploma literalmente como piedra en pozo…¿Y en The Opposite of Sex, cuando Dedee Truitt empieza arrojando un simple puñado de tierra a la urna y termina arrojándole todo lo que tiene a su alcance?)

Pero hay temas naturalmente incrustados en el Drama.

Miguel Ángel, Izan, Dani y Jorge tienen la enfermedad más temible y al mismo tiempo son los héroes de la primera película intencionalmente divertida que conozco sobre el cáncer. (¿Cómo pueden esas dos palabras estar en una misma frase?)

Planta 4a. Terreno sensible. Comedia invasiva de los predios más profundos del dolor.

Adolescentes con cáncer toman el sol en la terraza y espían a una modelo por la ventana.
Adolescentes con osteosarcoma juegan baloncesto para el equipo “Los Pelones”.
Adolescentes con varias biopsias a cuestas hacen escapadas nocturnas en silla de ruedas por los pasillos del hospital. Ordenan pizza a la estación de enfermeras o ensayan rap con el conserje cubano en el sótano del edificio.
Adolescente paciente de oncología se escapa al ala siquiátrica y se enamora de una chica anoréxica.
Pandilla veterana de la quimio se toma una instantánea de Rayos X.

Cine para estirar los músculos de la mente.

Yo no sé si estará bien o mal. Sólo sé que después de esta película, los miro distinto.

Véanla: Aunque no lo crean, se reirán, aunque no quieran. También se llama Una razón para vivir.

Vuelo Nocturno

2005-10-28T20:08:00.000-04:00

Me asustaste Jackson Rippner. No me había fijado lo solitarios que pueden ser los pasillos de cemento del multiplex y qué oscuras y frías esas escaleras grises que van de la sala más alta hasta el estacionamiento. A ti y no a la historia se debe que Vuelo Nocturno (Red Eye, 2005) acumule y mantenga suspenso y sea eficiente en asustar e incluso en hacer reír para que uno se relaje un poco. De haber sabido, me quedo 2 minutos más en mi butaca y dejo que otros salgan primero.

No es que Red Eye sea muy original o diferente (y es mejor en aire que en tierra) pero no da tregua con lo del secuestro en pleno vuelo y las persecuciones después y como te digo tu actuación es lo que más importa y eso de tener que bajar después varios pisos como en una escalera de caracol yo sola seguida por una figura siniestra detrás, a quien yo veía de reojo, porque juro que me seguía por aquel laberinto de paredes rojas… No gracias.

Dirige Wes Craven, creador de Freddy Krueger, Scream y Music of the Heart Con Meryl Streep y Gloria Stefan.

Reinas

2005-10-23T14:58:00.000-04:00

Tiene un buen material: 20 parejas gays casándose el mismo día frente a los medios de comunicación. La primera boda legal de homosexuales en la historia de España. El resultado es una comedia light, donde uno ríe y no termina recibiendo un sermón sobre derechos humanos. Reinas es entertainment, es divertida, un elenco de divas y enredos tipo Matrimonio a la Italiana (Mambo Italiano, 2003) y A mi madre le gustan las mujeres (My mother likes women, 2002)

Lo cual no le quita reflexión e impacto.
A veces afloja, pero no es tonta. En Reinas las parejas gays no son ideales ni víctimas de la sociedad a las que sólo les falta casarse para alcanzar la perfección. Uno se da cuenta de que llevan plomo en el ala. Son parejas, como todas. Al igual que con los heterosexuales, también para ellos el matrimonio será una lotería. (Suena obvio pero ¿ya lo es para el público?)

(Reina Nuria: “Al final todos buscamos lo mismo, recordarnos que estamos vivos y no nos queremos morir.”)

El elenco de madres es de lo mejor, particularmente fue lo que más disfruté. Incluye a Carmen Maura y a la argentina Betiana Blum como una especie de "Monster-in-law”. Aunque les cuesta ser “modernas”, sus hijos se van a casar y allí están ellas al pie del cañón acompañándolos. (Reina Ofelia: “¿No es el papel fundamental de una madre alimentar a sus hijos?")

Tomando en cuenta que en el siglo XXI todavía se discrimina a las minorías sexuales, ya es bastante que el público vea a gays y lesbianas en pantalla sin espantarse en el intento…

Habana Blues… Noviembre

2005-10-19T22:41:00.000-04:00

“¡One, two, three... “Azuca”!

No te deja indiferente.
Muy agridulce como toda película con el trasfondo de la separación forzosa y artificial impuesta por un régimen político como el cubano. Generosa, humana, revela la alegría que, junto con el dolor, puede haber en el adiós. Respetar el “Me voy” y el “Me quedo”, aunque se parta el alma. Cuando despedirse significa respeto.

Cabe tanto color, tanta música (y nada típica por cierto y qué buena música), tanta alegría en Habana Blues. Es sobre una banda enfrentada al dilema inmediato de quedarse en Cuba o irse a buscar suerte en España. Por la reacción del público, me resultó obvio que toca fibras y duele entre los venezolanos. Se ríe y se llora, y se VE nítidamente ese espejo llamado Cuba.

(“Vete y olvídate de mi”… le dice la vieja a su nieto músico. “Házte famoso y olvídate de mi”. Es casi una orden, un ruego, un legado de renuncia para que otro recupere algo de libertad personal.)

Y luego está “Noviembre”, sobre un actor que crea una compañía de teatro callejero dedicada exclusivamente a provocar a la ciudad, sin cobrar ni un céntimo y sin regirse por escuelas de actuación. Sólo por amor al arte puro y"sin interferencias comerciales". La utopía. La ingenuidad, digo yo, en una y otra película.

No se las pierdan: Habana Blues de Benito Zambrano y Noviembre de Achero Mañas. Muy buenas. Festival de Cine Español. Caracas.

De visita por los recuerdos

2005-10-10T22:29:00.000-04:00

Un encuentro en un supermercado con una amiga de la infancia, mi hermana me habla de “Amigas para Siempre” (Now and Then, 1995) y yo me tropiezo con el DVD de Oriana (Fina Torres, 1985). Como ven, onda evocativa. Al 100%.

Cada quien lleva el pasado a su manera, pero tengo la impresión de que la mayoría vivimos bajo la ilusión de dejar cosas “atrás”. Fragmentamos y avanzamos. Y quizás hay algo más fluido o continuo en la vida. La verdad es que uno no escoge mirar atrás, pero súbitamente… Miras.

El cine está lleno de regresos.

Revisitar Oriana fue una experiencia mágica en muchos sentidos. Degustar la gracia serena de Doris Wells, penetrar la luz y las sombras de la vieja hacienda tan cerca del mar, perseguir los ecos de una casa con historia y participar en el juego de los tiempos, todo eso con mis ojos de hoy, me llenó de resonancias. Oriana, venezolana, ganadora en Cannes cumplió 20 años. (Gracias Fina Torres por adaptar “Oriane, tia Oriane” de Marvel Moreno…)

Demi Moore en “Now and Then”: “Puedes correr todo lo que quieras tratando de olvidar tus desencantos, pero sólo cuando abrazas tu pasado empiezas realmente a mover tu vida hacia adelante…”
Algo así diría Andrew, de Tiempo de Volver (Garden State, 2004), una peli especial que disfrutamos este año en el festival de cine independiente de EE.UU. Andrew regresa para el funeral de su madre, después de 10 años de ausencia total. También recordamos la comedia romántica Sweet Home Alabama (2002) y Divinos Secretos (Divine Secrets of the Ya-Ya Sisterhood, 2002), con Sandra Bullock, con Sidda desempolvando sus demonios apenas pone un pie de nuevo en Louisiana.

En “Now and Then” aparecen dos interesantes actrices, para ese momento adolescentes, Christina Ricci y Thora Birch. Son un discreto tesoro en la parte luminosa y cálida de la película: el verano de 1970, cuando cuatro amigas descubren las incertidumbres que realmente tejen la vida y como antídoto se comprometen a mantener la certeza de su amistad.

Y hablando de regresos… ¿Me olvidaba de Cinema Paradiso? Imperdonable.

Lunes popular: Los Rompebodas y Casomai

2005-10-04T22:46:00.000-04:00

Un wedding crasher es un “arrocero” o un “perrito de toda boda” y Los Rompebodas (Wedding Crashers, 2005) me pareció una muy agradable comedia romántica sobre el cortejo, la amistad y la vida como una eterna fiesta, según un par de solteros empedernidos. No se imaginan cómo refrescó mi tarde calurosa (nada como una función semivacía por la tarde antes de que llegue el gentío).
Un Casamiento Inolvidable (Casomai, 2002, If by Chance) es otra cosa. Una comedia que pone los Rayos-X a la relación de Stefania y Tomasso, desde que se conocen, se enamoran, se comprometen, se casan y tienen un hijo. Les pasa lo que ya sabemos por las telenovelas: de la pasión al aburrimiento (“¿Y cómo se llamaba la última película que vimos con Tom Cruise?”) La peli realimenta ideas y valores tradicionales (“el amor no muere y es suficiente”). Y se disfruta mucho pues se maneja súper ágilmente entre humor, agudeza, cruda realidad y cierta esperanza.
Por cierto: título en español certero. La ceremonia es muy poco convencional.
¿Es el matrimonio como el arte de patinar sobre hielo?
Se las recomiendo. Belissima.

Retro-Time: Brazil

2005-10-02T21:51:00.000-04:00

Próximamente llegarán Los Hermanos Grimm (2005), del director Terry Gilliam, quien también dirigió Brazil (1985). En efectos especiales, humor y temas, mi impresión es que Brazil no ha perdido nada de vigencia. Se nota que fue una película adelantada para su momento. La protagonizan Johnathan Pryce (Perón en “Evita”) y Robert De Niro. Es ciencia-ficción, con el tono futurista de Minority Report, Blade Runner, Naranja Mecánica, etc. Diseño y producción espectaculares y temas vivitos y coleando: Terrorismo, burocracia, consumismo, cirugía plástica, romance y fantasía como escape del poder abusivo, etc. Papeles y más papeles: El papeleo mata, literalmente. Si se la tropiezan, vale la pena. Divide al público: muchos la veneran, otros la consideran aburrida.
La tenía presente por “Cine de los 80”, un apreciado regalo de mis padres. Y el fin de semana pasado, aproveché pues la dieron por Cinecanal.

Rent-x-Tema: Gente armada

2005-09-26T21:59:00.000-04:00

Leía ayer en un titular de la prensa dominical: “Niño mató a una amiga cuando le mostraba el rifle de su papá”.
La cantidad de armas en la calle. El acceso a esas armas. Los tiroteos en lugares públicos. Las leyes, la justicia, el poder.
El odio. El crimen. Y el miedo.
Todos los días la gente hace colas para ver violencia en el cine. En video, tantas horas de tiros y sangre. También se consiguen cuestionamientos. Aquí van tres.
Tribunal en Fuga (Runaway Jury, 2003): Un buen rato de suspenso e intriga con Gene Hackman y Dustin Hoffman en bandos opuestos. Un Jurado visto por dentro. Las presiones, los dilemas, la responsabilidad de decidir a favor o en contra de un fabricante de armas.
Elefante (Elephant, 2003): Un minuciosa recreación, un terrorífico paso-a-paso del cineasta Gus Van Sant acerca de la masacre en Columbine High School, EE.UU., 20 de Abril de 1999. Su técnica y narración logran una película escalofriante y deprimente. Véanla sólo una (01) vez en la vida, pero véanla.
Bowling for Columbine (2002): El humor. Muy ácido. La tragedia satirizada por un provocador, Michael Moore. Un documental (así lo llaman) donde Moore (amado y odiado) ataca corrosivamente a medios de comunicación y fabricantes de armas, entre otros targets.

El Crepúsculo de un Samurai

2005-09-24T23:28:00.000-04:00

Todavía bajo los efectos matutinos de una de mis favoritas, “Perdidos en Tokio” de Sofia Coppola (Lost in Translation, 2003) por la noche voy y me topo con Tasogare Seibei (The Twilight Samurai, 2002).
Inusual, pero créanlo: no hay mucha acción de artes marciales. Esto es “otra cara” del samurai. Granjero, pacífico y entregado a sus dos hijas y su madre anciana… Pero todo se le voltea cuando recibe órdenes de matar a un rebelde internado en el bosque (cerca yace el cadáver del último emisario… cubierto de moscas).
Nada de espectaculares saltos a espada limpia, aunque sí un par de crudas escenas de lucha desigual (espada vs. palo de madera). Donde brilla la película es en este hombre libre por dentro y apasionado de la vida sencilla, tildado de excéntrico y apodado “Ocaso”.
Hace referencia a la extinción del samurai, sus penurias y su olvido. Una de la hijas narra la historia (por cierto que el señor no tenía ningún problema con que sus hijas estudiaran a Confucio además de caligrafía y costura).
Nominada al Oscar y al Oso de Oro de Berlín y ganadora de 12 premios de la Academia de Cine de Japón.

Lunes popular: Sin City y The Gathering

2005-09-19T20:43:00.000-04:00

La Ciudad del Pecado (Sin City, 2005) llega anunciada como una obra de arte. Puedo decirles que ciertamente su look es absolutamente hipnotizante y el derroche de extrema violencia física estremece. No hay duda: un concienzudo y estilizado trabajo de fotografía y montaje… Realmente te metes en un cómic. Pero ¿disfrutarla? ¡Yo necesitaría un curso intensivo de “cine negro”! Aunque los lentes y la mirada perversa de Elijah Wood no estuvieron nada mal…

Los Testigos (The Gathering, 2002): Alquílenla para un rato de suspenso (moderado) en casa, pero no se movilicen hasta el cine. El tema sí es bien inquietante, por eso la menciono. La idea de un grupo de personas castigadas eternamente por haber presenciado la Crucifixión sin haber hecho nada por impedirla, perturba un poco. Pero no llega a quitarte el sueño…

¿Y si se abre la pantalla?

2005-09-12T21:28:00.000-04:00

Después de varios años, he vuelto a ver La Rosa Púrpura del Cairo. Ayer la pasaron por MGM. Esta magnífica película de Woody Allen es un ingenioso tributo al cine, a sus actores y sobretodo a sus ADICTOS. Mia Farrow es la camarera que se refugia en el cine para escapar de una vida ingrata y Jeff Daniels el personaje que se sale de la pantalla para ir a su encuentro (y no quiere regresar a la película de donde salió).
No se la pierdan, es sano entretenimiento :-) La pasan otra vez el 20 y el 30 de Septiembre.

Hablando de “cine sobre el cine”, sigue en cartelera Melinda y Melinda, también de Allen. Nada ligera, y no para todos los gustos, exige mucha atención pues es un "2x1", dos películas en una. El mismo personaje en dos historias separadas, con resultados diferentes, dependiendo de si es comedia o drama.

Y volviendo a Rosa Púrpura… Se podría combinar en una tarde con “The Majestic” y “Cinema Paradiso”. Las tres tienen el olor de las viejas butacas…

Juntos

2005-09-06T22:26:00.000-04:00

He ni zai yi qi (China - Corea del Sur, 2002)

¡Hay festival chino en la Cinemateca Nacional! Esta tarde vi esta película sobre Liu Xiaochun, un niño de 13 años prodigio del violín, su viaje del campo a Pekín junto a su padre y la búsqueda del mejor maestro. Una mágica experiencia de música, drama y comedia que me dejó asomarme al Pekín actual, a sus habitantes anónimos y la mezcla de modernidad y tradición. La recomiendo especialmente a profesores y estudiantes de música y como personaje, me encantó lo que hace el actor Zhiwen Wang con su “Prof. Jiang”. Un final intenso y conmovedor, con el Violin Concerto de Tchaikovsky, muy emocionado el público se tardó en levantarse de su butaca y salieron contentas varias señoras chinas, orgullosas comentaban la película con quien quisiera acercárseles.
Una película que se centra en la gratitud. Me hizo recordar: Les Choristes, Madame Sousatzka y Music of the Heart.

Las mujeres de verdad tienen curvas

2005-09-04T17:29:00.000-04:00

Real Women Have Curves (EE.UU. 2002)

Sin estridencias, llega a brillar en una escena donde mujeres latinas de anchas proporciones (se apodan Orca, Hipo y Elefante), trabajadoras de una fábrica de ropa en Los Angeles, comparten un arranque de irreverencia y compiten con orgullo en materia de celulitis y estrías, logrando así una eufórica celebración de su cuerpo tal cual es.
Es una comedia light, colorida, de un agradable soundtrack que incluye a Aterciopelados. Está confeccionada con cariño por el inmigrante, sus conflictos, actitudes e ideales. Aunque la heroína es Ana, joven méjico-estadounidense en un momento de decisión en su vida, otra heroína anónima pudiera ser su hermana Estela, abnegada al frente de su taller de costura y con dotes ocultos de diseñadora.
La historia refuerza a la Universidad como única ruta clara de realización y ascenso personal. Sin embargo, a través de Estela (a quien lamentablemente se explora poco) pudiera tocarse indirectamente otras opciones e imaginar otras historias. En Carmen, la madre, vemos los temores, resentimientos y prejuicios, pero también un reconocimiento al trabajo duro de abrirse paso en un país extraño.
Por su temática de decisiones clave tomadas en momentos clave, tiene alguna relación con “Spanglish” y “María llena eres de gracia”. También recuerda a “Mi Gran Boda Griega”.
La dirige Patricia Cardozo, colombiana graduada con una beca Fulbright en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad de California.

El Regreso

2005-08-31T21:06:00.000-04:00

Hay películas que no se pueden recomendar porque son tristes, enigmáticas y perturbadoras, pero sería una lástima dejarlas pasar por ser una experiencia tan excepcional por la belleza de sus imágenes. A esta película se agrega otro hecho real perturbador y es que uno de sus tres protagonistas murió poco tiempo después en circunstancias parecidas a las de la historia.
Mi experiencia con El Regreso (The return - Vozvraschenie, Rusia, 2003) fue una de contemplación abismada. Como ser de la ciudad me sobrecoge la naturaleza en estado puro, lo desértico, la lejanía, las islas perdidas en el mapa, y de eso y mucho más está llena esta película.
El Regreso es un viaje de exploración, aprendizaje y sobrevivencia de dos adolescentes y su padre. Hay quienes la han interpretado como una metáfora de la vieja y la nueva Rusia, pero eso se los dejo a ustedes y a los críticos. Espectacular, trágica, transporta a sitios impensables, como el Golfo de Finlandia. Si la van a ver, que sea en el cine.

Hasta el momento - Lo mejor de 2005

2005-08-28T18:32:00.000-04:00

Lo mejor que he podido ver en la sala de cine este año:

COMEDIA Y FANTASÍA: CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATES (Charlie And The Chocolate Factory); EXPERTO EN SEDUCCIÓN (Hitch); ENTRE COPAS (Sideways); Una suegra de cuidado (Monster-in-Law); MADAGASCAR (Madagascar); LAS TRILLIZAS DE BELLEVILLE (Les Triplettes de Belleville).

DRAMA: GOLPES DEL DESTINO (Million Dollar Baby); MAR ADENTRO (The Sea Inside); MAR ABIERTO (Open Water); AMOR ETERNO (Un Long Dimanche de Fiancailles); EL AVIADOR (The Aviator); SON DE MAR (Son de mar); LA JOVEN CON EL ARETE DE PERLA (Girl with a pearl earring); DESCUBRIENDO AL PAÍS DE NUNCA JAMÁS (Finding Neverland); LOS CORISTAS (Les Choristes).

SUSPENSO/ACCIÓN: Sr. y Sra. Smith (Mr. And Mrs. Smith); GOLPE DE SUERTE (The Cooler); SECUESTRO EXPRESS (Secuestro Express); LA INTÉRPRETE (The Interpreter).

CINÉFILOS Y FESTIVALES: MELINDA Y MELINDA (Melinda and Melinda); LA TURBULENCIA DE LOS SENTIDOS (La Turbulence des Fluides); VODKA LIMÓN (Vodka Lemon); EL EMPLEO DEL TIEMPO (L' Emploi du Temps); VIDA ACUÁTICA (The Life Acuatic With Steve Zissou); LEE MIS LABIOS (Sur mes lèvres); EL HOMBRE SIN PASADO (Mies vailla menneisyyttä); DOGVILLE (Dogville); POBRES YUPPIES (Nousukausi).

Secuestro Express, Being Jonathan Jakubowicz

2005-08-25T21:48:00.000-04:00

Secuestro Express es lo último que le mostraría a un posible turista, pues Caracas aparece como un desecho del planeta, ciudad gótica, aterradora y bizarra. Pero salí del cine con una sonrisa de oreja a oreja.
Viene empaquetada con el sello de Miramax y a la vez un look de película de festival independiente. Una descarga total de adrenalina, película de atmósfera construida a punta de velocidad, cargada de la tensión y el vértigo que soplan sobre Caracas. Cine duro, joven y muy pragmático.
El target de este misil cinematográfico puedo ser yo, habitante de un valle donde las muertes más historiéticas ocurren. Donde arden las busetas y los partes de guerra revientan la morgue.
El trailer lo dice: “En la ciudad más peligrosa de la Tierra… Donde el crimen es un medio para ganarse la vida…”
¿Verdad o mentira?
Verdad.
Esa mezcla de pesadilla y Soledad Bravo cantando una tonada de ordeño es lo más acertadamente fuera de lugar que se le pudo ocurrir a Jakubowicz. Eso es real. Uno puede estar en Petare, bajar al Metro desde un supermegacaos amorfo de sudor, verduras y chécheres, y encontrarse que la radio del metro reproduce plácidamente a Conticinio. Que son las 12:04 del mediodía y el reloj digital de la estación marca las 6:32. Todo lo que hizo Jakubowicz fue aplicarle la lupa a la locura.
Secuestro Express escupe una ciudad violenta, donde el derrame de sesos ocurre a los pies de las torres de Parque Central, la escena de persecución cruza el Pasaje Capitolio y el ajuste de cuentas deja su charco frente a La Previsora. Tiene un final… Revelador. Se parece demasiado a la clave de lo que nos pasa.
Descarga de pólvora que tiene como blanco a toda una ciudad, el odio dirigido exactamente al aire (que es como decir a todo), un odio espeso como una nata. Caracas odiada desde sí misma, desde arriba, juzgada y sentenciada desde la periferia.

¿Por qué diablos me gustó esta película? Porque nombra por el nombre y porque se atreve a más. En la decadencia se agradece la fe. Jakubowicz apuntó su lente a Caracas desnuda, escarnecida, gangrenada, vital y moribunda que tenemos. Descendió y acarició su asfalto hirviente y se elevó para envolverla desde arriba, con una mirada tan ancha que devela en segundos su grieta brutal, su pecado original: Montañas que observan un valle condenado, cerrado, sin escapatoria.

Vivir en Caracas es vivir rodeado. Nos miran, los vemos, nos cruzamos, nos rozamos a juro, pero no podemos evitar adaptarnos. Humor en la desgracia. Nuestro fuerte. Hasta en lo más inverosímil y peligroso, buscamos conectar.

¿Cómo se disfruta una pesadilla que es real? Igual que se contempla el Ávila desde la basura putrefacta.

Esta cámara no me hizo el favor de camuflar el abismo en que nos metimos, ni complacerá a nadie lamiéndole las heridas del (auto)maltrato. No Jakubowicz, no en Secuestro Express.

Hollywood joropeado. Cool...