"You is kind. You is smart. You is important"

De "Historias Cruzadas" (The Help, Tate Taylor 2011) me llevo, entre sus diversos temas, uno: el del afecto profundo que nace en la infancia y persiste en el tiempo por quien te regala su afecto, te enseña, te quiere. Por quien te cría.

Mucho se debe haber escrito y se escribirá sobre esta importante película. Una obra que tiene un tema de fondo, el racismo y el odio hacia las personas de raza negra. Ubicada en Jackson, Missisippi, durante los años 60.

No todas las caracterizaciones lograron la misma profundidad. Interesante la mezcla que se hace con comedia, aunque algunos personajes se caricaturizan un poco. Afortunadamente, el relativamente amplio conjunto de personajes permite captar matices en las relaciones de blancos y negros, en un contexto y una época determinadas.

El papel principal, el de la criada que narra la historia (Aibileen) nos llega con una interpretación impecable de la actriz Viola Davis. Especialmente a través de su inteligente y bien administrado lenguaje corporal (hay momentos que sus hombros son casi como ojos, por la historia que pueden comunicar), puede uno captar dolor, coraje, amor, generosidad, liberación interior.

En los momentos de Aibileen con la pequeña Mae o del hermoso flash-back de la periodista Skeeter con su nana Constantine , se transmiten los intensos apegos, afecto, dolor por abruptas separaciones. Alcanza uno a ver que entre estas"criadas" y los niños a su cargo podían surgir verdaderas historias de amor y gratitud, más allá de las restricciones racistas, sociales, legales que las regulaban.


Y el otro tema que me llevo de esta película es el de la valentía personal. Cómo el paso que da una persona, luego dos personas, luego tres y más, en el gesto de romper el silencio, intentar la justicia a través de la divulgación de testimonios, tiene un efecto. Es lo que hace Aibileen contando su historia y promoviendo que otras criadas cuenten su historia.

Un paso, a la larga, liberador en lo personal.

Muy bella película, la recomiendo. Y un momento hermoso, culinario, que llamo "la escena Crisco". Sï, relacionado con la manteca Crisco. Y otra cosa: siempre es un placer toparnos con Sissy Spacek en una película.


"You is kind. You is smart. You is important" (Aibileen to Mae en "Historias Cruzadas")

Con dos T

También en los años 70 las mamás usaron la tecnología para entretener a sus hijos.

Mi mamá nos leía cuentos, y también los grababa para que no extrañáramos su voz mientras cumplía su multitasking. Y era genial.

Eso y otras presencias, como la gran biblioteca del pasillo de la casa, la llegada de nuevas y excelentes enciclopedias de avanzada producción, los regalos de libros juveniles, el respeto por lo escrito, nos hicieron lectores. Escuchando historias, las leímos. Ayer, en páginas impresas. Hoy también en páginas digitales.

Margueritte ("avec deux t", con dos T), o Margarita como mi mamá, es la protagonista de "Mis tardes con Margueritte" (La tête en friche, 2010), con la cual abrí mi 2012 de cine en sala. Si han visitado este blog de vez en cuando ya saben las predilectas: las calladitamente intensas, las que celebran la vida, los detalles, los encuentros furtivos e inesperados... Trailer


¿Y qué más inesperado que el encuentro cotidiano de una anciana lectora y un rudo obrero? Un hombre que ante nuestros ojos se transforma, con los acertados matices actorales de Depardieu, en el receptor y generador de una nueva vida, visualizador primero de la vivacidad de las imágenes dibujadas por palabras, beneficiario de la autoestima ganada por el desplazamiento interior promovido por la lectura y finalmente, celebrante de la amistad, la gratitud, el perdón, facilitado por la afinidad de las almas. Una historia de amor, sí, en muchos sentidos.
No diré mucho más, sólo que me siento contenta y privilegiada de haber iniciado mi aventura cinéfila de este año con esta pequeña, gran película basada en la novela homónima de Marie-Sabine Roger.

Véanla, serán felices, más sensibles, más humanos, de eso se trata también, me ha parecido siempre, el ritual ya centenario de contemplar el mundo-espejo desde una butaca.

(Margueritte, es decir, Margarita. Pero "con 2 t".)

¿Dónde comienza la paz?

Para cerrar el año 2011, que no fue muy cinematográfico en mi caso, recomiendo tres películas interesantes.

El Amante (Io sono l'amore, 2009). Trailer

¡Pura filigrana narrativa! Combinada con la actuación cerebral y extrañamente intensa de Tilda Swinton. Cine apuntalado por la elegancia de los gestos, de los ambientes, cierta ambiguedad de la trama y, al mismo tiempo, obra de mucha contundencia y pasión. Y tono de tragedia.

El martes, después de Navidad (Marti, dupa craciun, 2010). Trailer

Para el espectador que normalmente somos, mejor será ir preparado para escenas largas -larguísimas- concebidas para dibujar con calma y de manera realista, natural, las acciones, reacciones, pausas, tránsitos, giros y rutinas, nada extraordinarias, de sus tres personajes principales.

¿Y cuál recomiendo especialmente? En un mundo mejor (Hævnen, 2010). Sin dudas, una profunda y provocadora reflexión sobre la violencia y la paz en términos prácticos, pero desde su cara íntima, personal, germinal. La violencia que se activa o no se activa según la decisión consciente de cada persona. Un vistazo al trailer...

¿Cuándo es venganza, cuando es justicia?

Puede ser desalentador concluir que cargamos con una respuesta innata de violencia y que apartarnos de esa ruta supone un enorme esfuerzo de razón.
Puede ser esperanzador saber que se puede intentar, e incluso lograr, evitar la violencia.

¿Dónde se cuecen la violencia, el terrorismo, la persecución? ¿Cuándo empiezan en la vida de un individuo?

Pero alguna decisión diaria tenemos todos que tomar.

Finalmente, recomiendo un par de cortos: Tanghi argentini (2006) y Deep & Crisp & Even (2009), ambos disponibles en Youtube. Refrescantes cortometrajes con los cuales inicié el mes de Diciembre.

Esperando que 2012 venga con buenas películas... Inspiración y acción.

¡Feliz Año!

Fantasía del Odio

Más allá de mi escuela de música mataron a mi padre mi papá me sirvió el desayuno en una balacera vi los ojos de un Angel herido que disparaba después de caer por la ventana me miró a los ojos me dijeron vete que te van a matar me escondí en la camioneta de los tipos después supe que habían matado a mi madre los mismos que mataron a mi padre yo puedo odiar yo puedo vivir si odio viviré secuestrada toda la vida de una fantasía de venganza en la que aparecen personajes gélidos y azules yo puedo odiar o puedo no odiar si me consumen la orfandad y la pérdida nunca seré ni libre ni tendré sosiego qué significa ser guerrillero reinsertado qué significa reinsertarse mi papá era un reinsertado se llamaba Angel pero tuvo otra vida y se llamaba diablo eso fue antes de que me despertara por la mañana y me sirviera el desayuno soy blanca soy morena mi ciudad puede ser cualquier ciudad o jungla pero es una ciudad de Colombia pero los que me ven en esta película y conviven con la violencia saben que no importa el nombre del lugar y que yo estoy en el centro del odio y que el odio tiene forma de espiral es un cuento de nunca acabar el odio es un círculo donde bailan quienes tienen motivos y quienes no a mi padre lo mataron y al padre del que mató a mi padre también lo mataron y el cuerpo lo guardaron en varios sacos ahora sólo quedo yo y mi futuro puedo odiar puedo no odiar y alguien me pregunta adónde la llevo no sé porque es muy pronto y la película se acaba y perdonar yo todavía no sé ni que es eso puedo odiar puedo no odiar puedo atascarme pero también puedo moverme, puedo remitir suspender puedo no odiar más.

(Algo de lo que quedé pensando después de ver Saluda al Diablo de mi Parte del director colombiano Juan Felipe Orozco).

For Precious Girls Everywhere

("For Precious Girls Everywhere" - Dedicatoria final de la película “Precious”)

Hace unos años hice un post de películas “deprimentes imperdibles”

Hace unos días, después de ver por primera vez “Precious” (Lee Daniels, 2009), pensé erróneamente que la incluiría en esta lista.

Lo pensé bien… ¿Me deprimí realmente con esta película?

El sabor que dejan los últimos segundos de una película, que transcurren con los créditos finales, es una señal que vale la pena retener. Es fácil perderse el mensaje de estos segundos, pero es importante recordarlos. Y en este caso, el áspero y despiadado territorio emocional que conforma el mundo de “Precious” casi pudo más que la luminosa propuesta de renacimiento que encierra su historia.

De la película me fui a la novela: “Push” (1996, Sapphire). Libro duro, difícil de tragar, Dibujado desde un monólogo crudo, cándido, adolorido, cálido, estremecedor, humorístico, cruel. Un relato descarnado del abuso sexual y emocional sufrido desde una edad tan corta como imposible de imaginar, por una adolescente norteamericana de raza negra nativa de Harlem.

La película “Precious” muestra la transición de una vida de abuso a una vida de promesa, de la mano firme de una nueva identidad arduamente ganada. Ese pasadizo, ese rescate, esa evolución de “No ver” a “Ver” que experimenta Precious es un puente precario, mediado por el poder de la introspección, de la verbalización, de la visualización (“Write!” le implora y exige su maestra el día de una noticia particularmente devastadora).

El descubrimiento de las palabras, de los números, de la disciplina de estudiar, del afecto de personas que la aprecian, hace que Precious se reconozca y se destaque entre otros quienes, como ella, buscan y dan una segunda oportunidad. Pues en el libro coexisten con la historia de Precious otras historias, abusos semejantes, otras voces sobrevivientes a las cuales tiene acceso el lector. La verdadera dimensión del maltrato a Precious es descrita completamente en el libro, reducida en la película.

Una alternativa educacional que me recordó algo que en mi infancia conocí como “Parasistema” (mi padre daba clases en un liceo nocturno para adultos), cambia para siempre la vida de Precious. Mejor dicho: Precious acude, se presenta, a esa cita, a ese reto de cambiar. Así, la escuela, llamada “Each One Teach One”, así una tenaz y sensible maestra, Miss Rain, con una fe inquebrantable en el acto de escribir como vehículo de autodescubrimiento, así el espejo de otras compañeras, termina catalizando en Precious la irrevocabilidad de escoger una vida propia y diferente.

Siempre abonada por su fértil, salvadora imaginación.

Libro y película: más que recomendables. Precious es la narradora en ambos. En el libro, su “voz” va configurando un tajo hirviente que describe un maltrato inconcebible. La voz de Precious es real, una voz no editada, no estilizada, alimentada por un habla, una gramática, que cambia de color, de luz, de ritmo, disperso, saltarín, recurrente, impulsada: Precious.

En la película, la magnífica actuación de Gabourey Sidibe es razón de más para excluir a Precious de cualquier listado de películas “deprimentes”, aunque seguramente lo parezca. Monique, personificando a su madre, encabeza un elenco acompañante que bien vale la pena apreciar.

Volví a verla. Precious es, sin duda, una película imperdible. Y, según entiendo, muy controversial en su país.

"I'm alive inside. A bird is my heart. Mama and Daddy is not win. I'm winning.”

Los fantasmas de Macedonia

Interesante, ver una película ubicada un sitio que desconozco absolutamente (Macedonia), en un género que no suelo escoger (thriller), con actores que jamás he visto, andaba a tientas buscando posibles temas, posibles mensajes y símbolos, mientras recibía estudiadas imágenes de una parte del mundo y una cultura en los cuales no había reparado hasta ahora.

Entre los muertos (Senki, Milcho Manchevski -2007) se esmera marcadamente en lograr la apariencia de eso que se conoce como "hollywoodense". Por ahí, nada nuevo; puede decirse que es una historia de fantasmas y suspenso que ya se ha visto muchas veces. Ahora bien, eso no le quita ni emoción ni otros méritos como la fotografía y las actuaciones, donde se apoya realmente la fortaleza de esta película.

La fotografía es abundante en recursos, anclada en espectaculares paisajes (que provoca conocer) y artístico esfuerzo. Las actuaciones, sólidas, amplias, de intérpretes escogidos con mucho acierto. Destaca el protagonista "Lázaro" y uno de los fantasmas que lo acosan, "Menka", un ambiguo personaje que realmente no pude del todo descifrar.

Como dije, no sabía nada de Macedonia. Ahora sé algo. Pero en mi estado previo de no saber nada de Macedonia, la película está lo suficientemente bien contada como para permitirme aventurarme a adivinar por dónde pasan algunas de sus corrientes temáticas subterráneas. Universales. Incluso, esas sí, familiares para mí.

No dudo que además de las aventuras extrasensoriales del protagonista, es una película que nos habla del dolor de la historia, ancestral y reciente, de un pueblo. Una memoria literalmente sangrante. Me pareció escuchar el rumor de gentes desplazadas de su lugar de origen, dolor por la discriminación y la desigualdad, dolor existencial por vivir no estando realmente vivo y tener que atravesar la muerte para poder, finalmente, escoger la vida... Eso me pareció escuchar.

Il Bacio di Tosca al aire libre

Esta noche fui al cine. Cuando se filmó "Il bacio di Tosca" (Daniel Schmid, 1984) hace más de 20 años, uno se enteraba de las películas por "el cuerpo de Cultura" de un grueso diario, o volantes, o algún solitario afiche o comentario. Hoy no: estamos en el siglo XXI, basta con Twitter, basta con seguir, con buscar.

Así me encontró la noche este domingo, en la plaza Bolívar de Chacao, en mi silla plástica frente a la pantalla al aire libre, enmarcada en árboles, siluetas de patinetas y bicicletas que jugaban más allá. Se fue la tarde y quedó el campanario iluminado, la audiencia y su anonimidad, una calma de burbuja, un segmento luminoso y neutralizador, pacífico.

Prácticamente no sé nada de ópera pero desde esta noche tengo una nueva estrella a quien recordar, Sara Scuderi, y un lugar por conocer, la Casa Verdi. Scuderi se roba el show, es una de las ancianas cantantes líricas que la cámara de este documental muestra desde la Casa di Reposo per Musicisti. Tanta intensidad preservada en sus cuerpos octogenarios, nos llega intacta. No sólo emana de Scuderi, sino de todo el vistoso elenco de residentes del ancianato, otrora afamados intérpretes del canto lírico, otrora compositores, otrora arpistas, voces de una época ya casi centenaria.

Tan intensa su presencia, decía, que desde nuestras butacas plásticas azules hubo varios conatos de aplausos en varios momentos. Como si en lugar de esta Plaza Bolívar estuviéramos por obra de algún artificio, en la Scala di Milano. Una película sobre la etapa del retiro y del recuerdo después de una vida intensa, en este caso, de artistas que se consagraron a los aplausos, a los escenarios, a la música, a las emociones, a los colores y las texturas de sus trajes, y ahora se reviven a sí mismos en largos close-up, reveladores segundos de cámara que captan sus reacciones, dudas, y el intenso latido del corazón en sus frágiles cuellos mientras escuchan en tocadiscos sus voces de otro espacio y otro tiempo.

("Creo que cantaré hasta dos horas después de mi muerte...")

No tengo más que decir: si se topan con Il Bacio de Tosca, véanla, con el corazón abierto a personas queridas, admiradas por ustedes, que ya no están, que vivieron un mundo que no es éste y lo hicieron con pasión y honestidad hacia sus dones. Personas que llevaron su talento hasta octavas irrepetibles y esa intensidad, que traspasa la cámara, las sostiene, las sostuvo, en sus últimas andanzas por la casa que Verdi tuvo a bien entregar para esta posteridad.

(Una película de insectos, plagada de colores y aventuras, se despide con una toma reveladora de que aquella inmensa jungla universo de 2 horas era apenas un punto en un gran parque de una gran ciudad.
En Il Bacio di Tosca, no se paren de la butaca, no busquen el control remoto, sin haber disfrutado de la última toma. Pongan atención al sonido. Ese intenso universo lírico, de remembranza, de amor por el arte, de 2 horas, era apenas una vieja casa, en una transitada calle, en una agitada ciudad, en un turbulento mundo, donde poco a poco, en la toma, las voces, los dramas, el piano, se van perdiendo, diluyendo, entre bocinas, tráfico, maquinaria, ciudad. Son pasado, voces pasadas, un tiempo sin tiempo, un punto apenas, en una gran avenida de una gran ciudad.)

En un tobogán de barro

"Taking Woodstock" no es una película sobre la tarima de Woodstock, sino sobre la "cola" de Woodstock. Sobre la periferia del concierto, cuerpos-satélites gravitando y-literalmente- sobre el reguero que dejó la enorme movilización.

Resulta a propósito des-romantizadora y sin música! (Interesante: corrí para no perderme ni un minuto de música pero nunca llegue a escucharla, orillando como estuve durante toda la peli, junto con los hippies, siempre caminando y sorteando carros, camionetas, gente, barro, carpas, ventorrillos, en tránsito hacia algo que sucedía en un punto lejano, estuve presente sin enterarme de las canciones/mensaje, sin saber muy bien hacia dónde iba ni por qué).

Creo que el director hizo un muy buen trabajo metiéndonos en ese tiempo fragmentado, esa muchedumbre etérea e inmersa en el barro, registrando esa perspectiva laxa, alucinante, a la distancia, de los que van a la cola de las grandes movilizaciones, de los que nunca llegan en realidad a la meta porque ésta sucede mientras se avanza hacia ella, en una época donde no podía uno comunicarse por celular con los que estaban cerca de la tarima.

Para Eliot, su protagonista, el recorrido tuvo un sentido y un fin transformador y liberador. Personaje real, Elliot Tiber, fue el emprendedor y coordinador que dio una sede al famoso festival. En el terreno quedó la basura y el barro; para Eliot, fue el comienzo de una vida distinta.

Bob, lejos de Tokio

Doce años antes de que Bob, de "Lost in Translation", aterrizara en Japón para filmar un comercial de whisky...

Estaba otro Bob, perdido en New Hampshire.

De unos años donde no necesariamente había que llenar todos los espacios (silencios) de una película con el soundtrack (y me encantan los soundtracks), y la televisión reinaba todavía como medio de comunicación, recomiendo esta comedia de 1991 con esa maravilla de actor que es Bill Murray, acompañado por Richard Dreyfuss.

En What about Bob? Bill Murray y Richard Dreyfuss, respectivamente como paciente "multifóbico"histriónicamente ansioso y un siquiatra de vanidad desbordante, construyen una serie de episodios clásicamente cómicos que exploran a su modo la relación médico-paciente.

¡No apta para médicos y terapeutas sin sentido del humor! Claramente la película es una exageración de situaciones reales pero no está exenta de algunas reflexiones. La caricaturesca inversión de roles, la popularidad que adquiere Bob y la manera como a través de la familia del siquiatra percibimos lo nada fácil que debe ser vivir con él, dejan algo en qué pensar.

Otra más que pesco del libro "Motion Picture Prescription" del Dr. Gary Solomon.

Si Bill Murray no les arranca aunque sea (01) carcajada con ésta... ¿Algo anda mal?

El CHANCE de caminar con Dustin y Emma

Se llama "Last Chance Harvey". No se la pierdan; sobre todo si les gustan las películas donde no pasa nada :-) pero a la vez pasa mucho. Y los Brief Encounters. Y las grandes pasiones subterráneas ¿Recuerdan a Emma Thompson y Anthony Hopkins en Lo que queda del día? Y Perdidos en Tokio dirigida por Sofia Coppola? Y Antes del Amanacer/Atardecer, etc.

Kate & Harvey no es Lo que queda del día: pero requiere de sus dos actores principales destrezas de esa tesitura. El lenguaje corporal que los distingue de una pareja de personajes (y de actores) más jóvenes; la calma y la gracia, la paciencia y la intensidad. Convincentes interpretaciones de dos grandes del cine. La diferencia de estatura no es más que un chiste y un detalle que agrega realismo a la historia: pero ambos se complementan en su talla de sensibles, profundos actores.

Nota aparte para destacar a la actriz Liane Balaban, quien supo identificar la importancia de sus breves apariciones para dar a la hija del personaje de Dustin Hoffmann el contenido necesario para comprender en fracciones de segundo una historia de dolor padre-hija.

Si la quieren ver ¡Vuelen! Pocos ven estas pelis y las quitan de cartelera en un suspiro. En la sala donde la ví, éramos 3.

Al son que le toquen

Como nos narran los cuentos

El de arriba es el guionista Atom Egoyan, según una entrevista a Declan McGrath yFelim MacDermott, nombrado así por sus padres armenios "cuando se acababa de construir la primera central nuclear egipcia".

El de abajo es el actor Ian Holm, protagonista de El Dulce Porvenir (The Sweet Hereafter, 1997), escrita y dirigida por Atom Egoyan. Ian es el pivote de esta historia.

La del medio es Sarah Polley, actriz que he podido apreciar ya en tres oportunidades con ésta y las tres me han resultado experiencias de fuerte impacto emocional: Mi Vida Sin Mí; La Vida Secreta de las Palabras y The Sweet Hereafter. Por esta pequeña muestra me atrevo a opinar que no le teme a personajes complejos, profundamente heridos, en historias con temas límite y directores listos para desnudar y rasgar.

Dejo acá una cita de Egoyan sobre su forma predilecta de narrar y les recomiendo esta película si les gusta armar rompecabezas y quedarse pensando en las pelis un buen rato después de apagar el reproductor.

"La narración no lineal permite que el espectador explore, rechace o se vincule a un personaje y su situación, de una manera que no puede conseguir la narrativa tradicional."

Y conviene recordar el cuento, como nos lo contaron y/o leímos :-)

El Flautista de Hamelín

Una escena muy "pavosa" (con 7 años de mala suerte)

La siguiente escena es el final de La Dama de Shanghai en el salón de los espejos(alerta de spoiler) .

Veredicto: Siete años de mala suerte.

"Todo el mundo termina siendo el tonto útil de otra persona. La única manera de no meterse en líos es ponerse viejo. Mejor me concentro en eso de ahora en adelante."

Meryl Streep en El Ateneo de Caracas

Encontré en mi archivo este programa de mano que distribuyó el Ateneo de Caracas durante el ciclo "Meryl Streep: Las Metamorfosis de una Actriz" (Agosto 20 a Septiembre 16 de 1989).

Celebrada hace 20 años, la muestra de la Sala y Ensayo Margot Benacerraf incluyó las siguientes películas:

El Francotirador - The Deer Hunter (1978)

Manhattan - Manhattan (1979)

Kramer Vs. Kramer - Kramer vs. Kramer (1979)

La Decisión de Sofía - Sophie's Choice (1982)

En la Quietud de la Noche - Still of the Night (1982)

Reacción en Cadena - Silkwood (1983)

Amor a Primera Vista - Falling in Love (1984)

África Mía - Out of Africa (1985)

Plenty o Una Mujer Rebelde - Plenty (1985)

La Amante del Teniente Francés - The French Lieutenant's Woman (1981)

El Difícil Arte de Amar - Heartburn (1986)

Tallo de Hierro - Ironweed (1987)

Un Grito en la Oscuridad - Evil Angels (1988)

On Golden Pond

Indicada en mi libro The Motion Picture Prescription (Gary Solomon) estaba y la he tomado en una sola dosis. Es un poema -no, viene en forma de película- llamada On Golden Pond y es del año 1981.

Intensa. Intensamente hermosa. En temas, en poesía, intensa en actuaciones, intensa en recuerdos, silencios y sonidos interiores, en resonancias.

El Dr. Solomon la recomienda para las personas que deseen explorar temas como viejos conflictos con los padres, dificultades para comunicarse y abrirse ante un ser muy querido e
importante, a plena conciencia del paso del tiempo... Entre otros "temas de sanación" sugeridos por este amable doctor de películas.

On Golden Pond es conmovedora y es un espejo de la vida, entre otras cosas, porque nos pone a ser testigos de ese misterioso, complejo, noble músculo que entre dos se forma cuando se ha compartido toda una vida juntos. Ver a Henry Fonda y Katharine Hepburn acoplados prácticamente a la perfección como personajes y como artistas, te llena el alma de espectador de orgullo por la vida y por el cine.

No siendo conocedora de las epocas doradas de estos grandes actores, tan sólo pude recordar en la mirada de Henry Fonda anciano la intensidad que le vi hace un par de años en
mi DVD de Las Uvas de la Ira (The Grapes of Wrath, de 1940). Y no pude sino admirar, con un espontáneo y súbito afecto, a una fuerte, serena, alegre anciana Hepburn, arrancando su bote de motor fuera de borda, así no más ...

Cuánto cine me espera allá por esos años ... Cuánto por rebobinar.

P.D. Un momento. ¿Como es posible que Katharine Hepburn y Henry Fonda le dieran permiso a Billy de 13 años para pasear solo en esa lancha por el lago?

Misterios de las películas. Pero me alegra que lo hicieran porque la escena de Bill solito, acelerando por ese lago adentro, haciendo piruetas en esa lancha es un momento demasiado sabroso, tanto que provoca volver a tener esa edad y saber manejar una lancha y tener unos abuelitos tan consentidores que no sólo tienen una casa en el lago sino también lancha y se la prestan a uno un rato...

Desentierros

Con placentera conclusión termina mi domingo. No sé si existen o no las coincidencias pero qué casualidad que una mano afanosa corrigiera la "grilla" de Enero del Celarg y encima de la casilla donde decía "Un lugar lejano" de José Ramón Novoa (la película que me proponía ver) pegaran un papelito que decía "Venezzia" de Haik Gazarian. Casualidad, pues porque hoy por la mañana saqué un postergado DVD obsequio de mi hermana titulado "Closing the Ring" y después por la tarde me sale "Venezzia"(?)

Ambos relatos centrados en mujeres que encontraron el amor de su vida en soldados estadounidenses. Dos mujeres de una misma época histórica (la Segunda Guerra Mundial), una en Michigan y otra en la costa venezolana! No entraré acá en consideraciones de calidad ni de distancias actorales y producción; ambas películas captaron mi interés, por razones y temas muy diferentes. Y me divierte el hecho de haber visto las dos -por casualidad- en un mismo día.

Encuentro interesante que sin complejos un director venezolano se atreva a plantear en Venezzia una historia de espías y submarinos nazis al calor de unos tambores de carnaval, huevos pericos, caraotas negras, arepas, hallacas, selva, playa y... petróleo. El mismo ha dicho que quiso presentar una postal de nuestro país (y la comida, su preparación en curados sartenes negros, me recordó una alegre y colorida escena de cocina de La Virgen Negra). Según se afirma en Venezzia, 60% del petróleo de los aliados en WWII fue proporcionado por Venezuela.

Venezzia ha sido elogiada einsultada por "disparatada"."Closing the Ring"también parece haber encantado y desalentado a los críticos.

Me parece que Closing... es definitivamente un relato muy sensible sobre el tema del duelo, pero del tipo de duelo que nunca se ha querido conversar ni afrontar, de su dureza y su permanencia, del dolor suspendido que inutiliza y atrofia la vitalidad de un ser humano y termina impactando severamente la propia vida y la de los seres más cercanos.

Una ráfaga de mucha vida, color y movimiento le aporta el personaje de "Jimmy" como el desenterrador del anillo y desinhibido enlace entre dos épocas, en lo que termina siendo alguna posibilidad de esperanza de liberación y alivio para la anciana protagonista. Una mujer que suprimió sus afectos y se autoexcluyó prácticamente de los pesares y alegrías de la vida.

Dos historias impactadas y rasgadas por una misma guerra, pero donde sus protagonistas toman decisiones radicalmente distintas que les permitirán aferrarse al pasado o moverse hacia el futuro. Enfoques, el de una y el de la otra, para nada parecidos, que les permitirán disfrutar o no de la vida, después de un mismo dolor y pérdida.

A not-so-me Sunday

Huyendo siempre del gentío que se ha vuelto Caracas, jamás voy el domingo al cine pero este domingo encontré una ranura de MUTE y extraño desierto en la función de 12,40 M de Cines Unidos de El Marqués y me colé en una opción tampoco muy típica para mí pero era tanto el "buzz" sobre esta materia (Avatar) que tenía que verla, y a verla fui.

Bueno, pues valió la pena la transgresión de mi ocio reclusivo dominical!

Si no han visto Avatar, vayan y no la dejen pasar. NO comentaré nada porque a ustedes les sobran los reviews por todos lados, y yo ¿qué podría agregar? Sólo diré como el personaje de Sigourney Weaver ("Dra. Grace Augustine"), si yo, por alguna casualidad de este universo, voy algún día a un lugar así, como el paraíso de estos aborígenes azules, pues yo también"QUIERO TOMAR UNAS MUESTRAS..."

Mi mente pervertida por la politica de mi país (Chavez 1998-2010) me quita inocencia de espectadora. Sï, me resta, pero qué se le va a hacer. Todo deja mella en esta vida, no? Donde quizás hubiera visto sólo la fábula de un buen salvaje, se me aparecían Mesías y crédulas multitudes, y en medio de aquellas hipnotizantes selvas avatareñas que me cegaron por preciosos segundos con sus medusas cibernéticas, espíritus bondadosos de New Age, me despertaba en plena función alarmada por la familiar utopía romántica de un presunto pasado perfecto nativo.

Sí, la película lleva su mensaje de "paz y amor" en fin... nada más, Véanla.

Véanla, yo veria Avatar muchas veces porque es un espectacular, espectacular entretenimiento, sin duda un refinado esmero de técnica y tecnología. Y una nota humana aquí, el poderoso mensaje liberador que la experiencia de controlar a su Avatar obsequia particularmente al personaje "Jake Sully" de Sam Worthington.

Es más, pienso que en la Academia deben darle su premio a Neytiri: no hay duda de que es una criatura mucho más expresiva que algunas estrellas de alfombra roja... ¿Cabrá Neytiri en el Shrine Auditorium de Los Angeles? El que no va a caber de orgullo será su papá: James Cameron.

¿Ya les dije ya? Véanla.

Empezando 2010, The Apartment

Qué suerte tuve, con ésta comencé mi año de películas :-)

La villana de al lado

"Viste como golpeaban y maltrataban a tu hermana..."

Y no hiciste nada.

- Pensé que era una película de terror.

Dijo un poco desilusionada la chica de la butaca de al lado. Qué inesperado cambio de género.

- Resulta que es más drama que terror.

Concluyó, terminando sus cotufas y disponiendo su postura temporal a digerir otros contenidos, visto ya que no habría ni gritos ni exageradas palpitaciones.

"Pues yo sí creo que es de terror" pensé.

La peli es "El Encierro" (An American Crime, 2007 - Tommy O'Haver) Bien terrorífica. Si no lo creen, lean qué de la vida real la inspiró.

No brincarás de tu asiento pero te retorcerás por dentro al ver el espectáculo de una mente laberíntica (que podría ser de cualquiera que conozcas, de hecho) y la ejecutoria de la crueldad te dejan frío en la butaca. Y todo a cargo de un ser humano. No de un alienígena, o de un serial killer o un caníbal, sino una mujer de carne y hueso que sufre, padece, y plancha la ropa de otros para medio sobrevivir. Un ser humano devorado por sus propios e infinitos tormentos.

Entonces para qué verla. En mi opinión, para ver a una mujer de la vida real brillantemente interpretada por una actriz que atinó dándole una vulnerabilidad y una contradictoria vibración a su personaje. La absorbente interpretación actoral de Catherine Keener se adueña de un complejo personaje que lograr sembrar un terror interior, que resuena en muchas preguntas que se quedan sin respuesta. Igualmente admirable el trabajo de la joven Ellen Page, conocida por Juno.

Más allá de los hechos concretos narrados en el filme (el caso de Gertrude Baniszewski en Indiana, años 60), recomiendo esta experiencia cinematográfica (deprimente) porque perfectamente pudiera ser una ilustración del miedo.

En una escala más grande, An American Crime termina siendo una ilustración del inexplicable y corrosivo efecto del miedo cuando se instala en una familia, en una pareja, en un grupo humano, en una sociedad. Un retrato de esa parte de la naturaleza humana relacionada con nuestra capacidad destructora, nuestra potencialidad agresora, abusiva, irresistiblemente perversa.

Una peli imperdible para todos los interesados en la conducta humana, los vericuetos de la mente y sus "desequilibrios" y para los amantes de los acertijos de la interpretación actoral.

¿Cuánto puede transformarse un individuo ante el poder ilimitado de hacer daño si llegase a detentarlo?

Puede que no sea una película "de terror" de esas que explotan la taquilla. Pero ciertamente lo es porque atañe a lo que pudiéramos ser pero no quisiéramos jamás ser o experimentar. El miedo, el silencio cómplice o cobarde, existen. Son una realidad.

Y qué es o no es crimen, ¿torturar o callar?

Además, nadie me va a decir que esta señora actriz Keener no resulta a la larga bien scary de verdad. Y pensar que todo eso pasó de verdad...

Manantiales subterráneos

Playa del Futuro (Peter Lichtefeld, 2005) me la obsequió mi hermana. Hoy Domingo la ví y puedo decir que le podría gustar a muchas personas, espero, pero especialmente le gustará a todo el que tenga entre sus pasatiempos ser un espectador-pescador: es una oportunidad cinematográfica confeccionada con creatividad para hablar sin estridencias, con el silencio incluso. Una peli que se siente inspirada en el afecto personal por situaciones o lugares específicos y experiencias cercanas al corazón de quien la concibió o llevó a cabo. De alguna manera eso se percibe en momentos contemplativos de la peli, intercalados aquí y allá, para nuestra alegría :-)

Personalmente me parece que por el lado de los temas que presenta y explora es donde se halla buena parte de su fortaleza; pero igualmente, es una película que disfruté porque gracias a su estilo narrativo, el protagonismo no pertenece a ningún personaje o grupo en particular sino que todo funciona como un agradable concierto donde en un determinado momento, cada instrumentista se aferra a su pequeño turno de hacer una "descarga" (así le decimos en Venezuela :-) y lucirse pues, ante un público ansioso de ver qué tiene cada virtuoso por dentro y qué tiene para mostrar. En Playa del Futuro, este estilo de contar permite que el efecto global sea equilibrado, con personajes que son personas de carne y hueso que logran tocarnos de alguna manera con su individual, única y revelada muestra de arte, impulso y actitud. Todos participan, todos son comensales en una mesa en la que uno participa también si quiere y se disfruta adivinando, o intentando adivinar, rápidamente en sus rostros de dónde pueden venir y/o hacia dónde quieren ir.

El ambiente geográfico es desértico y es hermoso, callado y dispuesto a recibir, y a veces parece un "decorado" inmóvil, encuadrado de manera amplia para terminar enfocándonos en la persona que lo transita y que lleva un sueño concreto en el momento, detrás del cual se mueve con decisión y con pasión.

A los pescadores de temas, qué tal éstos:

Sueños idealizados de la juventud que, aparentemente muertos, nos han mantenido vivos; la madurez entendida como una nueva oportunidad real de encontrar un sentido profundo a la vida; la honestidad en las relaciones -incluida la relación con uno mismo- como la mejor política, como dicen; el eterno movimiento y cambio de la vida, el secreto de la realización personal como una combinación de experiencia-conciencia-actuación oportuna, sin olvidar un importante aderezo: el movimiento y la intemporalidad como una de las pocas cosas verdaderamente verdaderas...

¿Qué tal? Eso fue algo de lo que pude pescar en mi primera visita a Playa del Futuro, que me hizo sonreír genuinamente más de una vez, particularmente al recordar algo de la película La Fiesta de Babette, que tanta felicidad me dio un día en el Ateneo de Caracas, y de la novela de Joanne Harris "Coastliners", ésta con sal y mar de verdad verdad :-)

Como Playa del Futuro es una película que resuena de muchas maneras, invita a seguirla viendo para pescar más sorpresas. Espero hacerlo en algún momento pronto.